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Metalbrothers201601102211

miércoles, 13 de noviembre de 2019

Worthless... (by Mayhem)


MONOLITH – Vermin Among Us (2019)


1. Spit 02:56
2. End Of Times 03:04
3. World Behind  04:10
4. Vermin Among Us 04:18

Mario Welke - all
Andreas Joklitschke – vocals on #3

Lo que os traigo aquí es el segundo ep de este músico alemán, se puede decir que es un proyecto de estudio porque él se lo guisa y se lo come todo, salvo un tema en el que cuenta con un apoyo en las voces. Su primer ep se publicó el año pasado, se llamaba "The Titan and the Rat", un título que tiene su continuidad en estos nuevos temas siguiendo el enfoque del anterior. 

Buena forma de comenzar el disco con Spit, una base rítmica no muy compleja pero sí muy resultona. Si no escuchaste el ep anterior te sorprenderán gratamente las voces de Mario, parece salida de la ultratumba pero tiene bastante potencia y resonancia. Los riffs acompañan bien y me gusta la capa de crudeza en el sonido que recubre la canción, un death de sonido clásico. 

End Of Times combina un poco las melodías y tiempos más heavys con el lado death de las voces y algunas guitarras, va alternando entre esas dos facetas y habría incluso algunos muy dados a las etiquetas que querrían darle el sobrenombre de progresivo. Bueno, creo que no llega a tanto pero es en verdad una canción muy divertida, que gracias a las voces no pierde agresividad pero que tira más de las melodías de unos Amon Amarth o unos Dark Tranquility para meterle el punto comercial. Destaco también el punteo heavy ocultista a lo Angel Witch que le da un toque interesante al corte.

World Behind comienza con un riff agudo heavy que podrían formar hoy en día bandas como Ram, Holocaust o Portrait, tiene un sonido oscuro a lo Mercyful realmente espectacular. Aquí es donde participa la voz invitada y la verdad es que me sorprende la voz porque va de palo heavy y la combinan con la gutural de Mario superpuesta sobre ese riff mágico y el efecto es sencillamente brillante. El ritmo es a medio tiempo con su parada, pero es que en el apartado de las seis cuerdas está realmente bordado y las voces acompañan perfectamente ese enfoque de heavy death, un poco a lo Slaegt para que os hagáis una idea. El tema del ep sin lugar a dudas. 

Es una pena pero esto se acaba ya y lo hace con Vermin Among Us. Un tema más directo, más elemental, de death clásico con alguna pincelada grind y heavy en las guitarras. Buen trabajo el de este músico alemán, temas que combinan sabiamente distintos elementos sobre una base death. El tipo tiene un vozarrón que suena de lo más natural, a no ser que tenga muchos arreglos en estudio, la base rítmica es más que competente, y las guitarras son afiladas cuando se precisan y contundentes la mayor parte del tiempo. Ojo y patada a seguir. Se requiere de un disco completo señor Welke, lo antes posible. 

martes, 12 de noviembre de 2019

Unconquered... (by Into Coffin)


XILLA – Distant Minds (2019)


1. Crux 01:50
2. Heroes 05:18
3. Let Me Breathe 06:45
4. Distant Minds 06:05
5. You Crawl 06:38
6. Burning Sky 06:15
7. Catharsis 07:04
8. Left To Burn 12:41
9. Everything At Once 05:24
10. Reborn  08:17

Leigh Oates - Vocals
Chris Flanagan - Guitars
Greg Pullin - Guitars
Rich Pullin - Bass
Pete Smyth - Drums

Los orígenes de este grupo se remontan al 2012, nacieron con la idea de hacer algo diferente y que dejase huella en el espectador, ergo, rollo progresivo. Desde entonces han estado preparando este disco de debut y la cosa empezó a tomar más forma con la entrada del vocalista Leigh Oates (Order of Voices, Soldierfield, Rise to Addiction). Un trabajo que les ha tenido la mar de entretenidos en el último año, puliendo detalles y grabando el álbum, según cuentan. 

La verdad es que la cosa no puede comenzar mejor con esa breve intro que es Crux, de hecho más que una intro diría que es un tema muy breve, ya que tiene voces, ambientación y un toque hasta blues, es difícil aprovechar mejor tan poco tiempo. Heroes da continuidad a esas buenas sensaciones, una pieza de rock con dominio de ritmos lentos y melodías de corte progresivo en las guitarras, con una buena voz, pero también con el picante que le ponen las acometidas que salpican la canción, tiene mucho feeling y un estribillo que lo revienta. 

Let Me Breathe tiene un comienzo muy rockero con influencias country que finalmente se desarrolla como una balada que va ganando en elementos y complejidad, creciendo en intensidad sin que te des cuenta, como hacían los grandes Ark en su día. Me encanta el inicio con guitarra melódica y teclados de fondo de Distant Minds, simplifican el sonido de la base rítmica con una gran elegancia y efectividad y nos dejan un tema donde la ambientación es fundamental, con una parada tope bluesy para el lucimiento de los guitarristas.

You Crawl es un tema con más garra, no deja de ser rock progresivo más acentuado si cabe pero le meten más potencia con la distorsión y van alternando ritmos de modo que de nuevo tenemos un tema que es como un tobogán, vas pasando por diferentes sensaciones a lo largo del mismo y todas buenas. También hay que reconocer que tienen un vocalista de primer nivel que da credibilidad y posibilita todos esos distintos pasajes, de otra forma esto se quedaría cojo o a medias. El punteo tiene un enfoque heavy que acaba por desbordar por completo el tema y las sensaciones. 

Inicio acústico que desprende melancolía a raudales en Burning Sky, esto es lo que los Whitesnake hacían hace décadas y que ya quisieran hacer ahora. Una buena balada en la que acaban por introducir la distorsión y con una letra y melodía bien logradas. Catharsis es de nuevo un tema que pone el acento en el punto progresivo, tiene fases más ambientales, otras con arpegios setenteros, es como unos Blue Oyster Cult disfrazados de progresivos modernos, si no te emocionas con los pasajes ambientales que son capaces de construir con las guitarras mejor es que aparques este disco porque no es para ti. 

Left To Burn es un larguísimo tema que les da para sacar todo su arsenal. Tenemos un comienzo acústico, pasamos por un space rock progresivo a lo Rush y encaran una fase final con un heavy rock progresivo a lo Conception, es decir, un compendio completo de como sacarse de la chistera un conejo tras otro.  Everything At Once es otra evidencia más de que les gusta tirar de acústicas y de inicios lentos sobre los que van añadiendo matices, este es un tema con una aire a lo Tesla, rock con calidad instrumental y un enfoque más comercial en las voces. El final lo ponen con Reborn, se podría catalogar como otra balada, pero sobre todo destaca por su enfoque relajado y melódico con toques atmosféricos que incluso por momentos pueden tender puentes con el new age, los solos siguen siendo para chuparse los dedos hasta llegar a las falanges. 

Los desconocidos Xilla se visten de gala para presentar su debut y bien merecen un reconocimiento, porque es un disco trabajado, pero también inspirado y que despierta grandes sensaciones. Si no eres muy del rock progresivo te invito a que te atrevas a bucear en las aguas calmadas de los Xilla, será un baño de lo más relajante. Y si te va el progresivo no soltarás este disco por una buena temporada, te lo aseguro.

Feeling: 4,5/5
Originalidad: 4/5
Técnica: 4/5
Producción: 5/5

Puntuación: 8,5/10

MARCO BORGHI - Red Phoenix (2019)


1. Kalima Elektro  03:40
2. The Darkness In Me  02:46
3. Now It’s The Time  02:50
4. My Name Is Liar  03:33 
5. Last Breath  03:23
6. Children (Robert Miles Cover)

Marco Borghi- lead guitar
Antonino Sidoti - guitar 
Bruno Tortora - bass
Alessandro Brega - drums

Marco es guitarrista y también profesor de música, lleva trece años tocando, en realidad desde los trece años, aunque dice que su primer contacto con la guitarra lo tuvo a los siete años, mientras los demás jugábamos con los famobil. Al mismo tiempo es el guitarrista de la banda italiana Oltraggio alla Corte, con los que dice que desarrolla una labor más de conjunto. Pero no se acaban ahí sus funciones, como buen guitarrista y profesor ha participado y participa en múltiples colaboraciones con otras bandas o proyectos. 

Incio con sintetizadores en Kalima Elektro, la palabra que se me viene a la mente en estos primeros momentos es máquinero a tope. Luego entra la batería y riffs con groove pero sobre todo siguen manteniendo ese enfoque electrónico. Es solo un preludio hasta que el jefe Marco llega y se pone a hacer escalas como si no hubiese mañana. El tema es bastante ecléctico en el sentido de que se puede catalogar como Metal instrumental o progresivo, pero con un rollo muy ambiental. Creo que el nombre del tema está muy bien escogido, ya que mantiene ese sonido electrónico y futurista a hasta el final, tiene personalidad, y solos de todos los colores.  

The Darkness In Me es un cambio total de escenario, comienzo lento y atmosférico, recreando acústicas y punteo melódico sobrepuesto, pasamos al terreno más rockero y melódico y Marco deja muestra de su sensibilidad tocando la guitarra. Por cierto, muy bueno el trabajo del batería que acaba llevando el tema a un sonido más melódico metalero. Excelente composición, jugando con sonidos muy adictivos. 

Seguimos por el viaje sonoro que nos propone el grupo con Now It’s The Time, un corte con un arranque entre metal y rock, con una base de groove sobre la que Marco se explaya a gusto, con influencias de gente como Satriani, Petrucci o Gilbert. Suena muy bien pero es mucho más previsible que los temas anteriores, el típico tema para el lucimiento el guitar hero mientras el resto de los componentes se dedican a repetir el mismo esquema. 

El grupo gusta de usar el groove para potenciar el sonido y sobre eso Marco va desgranando sus melodías, el efecto es interesante y atractivo por el contraste, por supuesto no es nada nuevo pero sí que no es tan habitual en el caso de virtuosos de la guitarra. De todas formas, como al tema anterior, le falta más dinamismo en la base rítmica lo que hace que pasado el primer momento de los riffs contundentes luego el resto del grupo se quede en un mero acompañamiento. 

Last Breath es un tema diferente, un poco lo que el cuerpo me estaba pidiendo después del revolucionario primer corte, es una canción más ambiental y también mucho más experimental, con muchos cambio de ritmo y fases ambientales que le dan el aliciente al tema que no tenían los dos anteriores que acaban resultando mucho más automáticos. Este tiene fluidez y frescura y en esa tesitura Marco va engarzando muy bien sus solos melódicos. El último tema es una versión del clásico de Robert Miles, habrá alguien que no haya escuchado nunca esa melodía de teclados, aunque no sepa de quién es? Lo dudo. Marco respeta la melodía central pero como no podía ser de otra forma le da un enfoque metalero, con un ritmo acelerado y metiendo variaciones guitarreras a su antojo, le queda una pieza resultona. 

Interesante ep el que nos presenta Marco Borghi, demuestra que tiene calidad y buenos fundamentos, además de no ser excesivamente egocéntrico con su guitarra, al menos no todo le rato, lo que hace que las canciones suben en cuanto a emotividad y composición. Dan ganas de escuchar lo que hace con su otro grupo. 

jueves, 7 de noviembre de 2019

Prince of disgust (by Novembers Doom)


SKELATOR – Cyber Metal (2019)


1. Cyber Samurai  (4:22)
2. Cast Iron  (4:06)
3. The Hammer  (5:04)
4. Highlander  (5:18)
5. Akira  (4:54)
6. Erlkönig  (4:20)
7. Seven Scars  (5:53)
8. Psychic Silver Wheels  (6:10)

Jason Conde-Houston - Vocals
Robbie Houston - Guitar
Rob Steinway - Guitar
Darin Wall - Bass
Pat Seick - Drums

Llega un capítulo más en la discografía de los americano Skelator, que aunque jóvenes todavía ya tienen su recorrido como banda. Después de unos comienzos que se podría calificar como complicados, a base de demos y un ep, por fin conseguirían editar su primer disco en en 2008. Ahora, casi veinte años después de su formación presentan su quinto disco. Lleva un enfoque de ciencia ficción en las letras y en cuanto al sonido lo habitual en ellos, con su estilo de heavy clásico. 

Por cierto, la portada con un estilo muy manga va en correspondencia o ligada a la canción que da título al disco y que es con la que arrancan el mismo. Un disco de ocho temas, algo que empieza a verse cada vez más en muchas bandas heavys o de metal clásico y que a mí personalmente me parece estupendo, para qué alargar innecesariamente un disco metiendo minutos y minutos de música que no va a nin guna parte. Y es justo lo contrario de este primer tema, con las ideas muy claras, combinando el speed metal con el heavy melódico de riffs con sonido británico ochentero. Estribillo consistente y sólos lanzados con guitarras dobladas, no se le puede poner un pero. 

Cast Iron es un tema donde bajan un poco el pistón y recurren a riffs más pesados, la voz siempre con ese tono semiagudo, un estilo de heavy entre unos Helstar y unos Metal Inquisitor. La base rítmica muy sólido y las guitarras suenan heavys como corresponde.  The Hammer es un tema que van construyendo poco a poco, desde guitarras lentas hasta imponer un ritmo a martillo pilón que mantienen a lo largo de todo el tema, metiendo variaciones en las guitarras y un punteo muy melódico, me suena mucho al heavy de unos Vicious Rumors, tiene su punto melódico pero también su gancho en la velocidad aumentando a lo largo de todo el tema. 

El rifd con el que comienzan Highlander es explopsivo y no hay mejor forma de incendiar un tema, al estilo de unos Heavy Load, con unas guitarras demoledoras. El tema lleva una melodía muy en onda epic metal y desemboca que no deja lugar a las dudas, seguido de una de las primeras pausas que introducen, por supuesto la salida acelerando y con riffs matadores doblados estaba cantada, un tema ganador. Akira sigue la estela del tema anterior, que no decaiga en ningún momento la energía del disco, supongo que eso es lo que estarían pensando, así que se meten de lleno en el speed metal, otro corte muy Helstar, velocidad y melodía con excelentes vocales. Por cierto, supongo que Akira hará referencia a uno de los comics japoneses más venerados, de esos con una acción trepidante, lo mismo que esta canción. 

Redobles de batería para lanzar Erlkönig, heavy de ritmo sostenido y poderoso, con el que Jason Conde-Houston toma posesión de la situación para sacarle el jugo a su carismática voz, sin duda uno de los pilares de esta buena banda americana. Y si os fijáis todas las bandas heavys que han destacado en un momento u otro siempre han contado en algún momento con un excelente vocalista, con personalidad propia, en otros estilos eso quizás no sea tan relevante pero creo que en el heavy sí lo es, y Jason es buena prueba de ello. Punteos con su punto neoclásico y melódico, otro gran tema donde sacan lo mejor de sí mismos, desde el primero hasta el último de los miembros de la banda. 

Saben jugar con los tiempos y Seven Scars es buena prueba de ello. Después de unos últimos temas cargados de tralla se pasan a un heavy más ambiental, aunque no penséis que se van a meter a hacer baladas. De hecho, es solo una primera parte del tema antes de lanzarlo, aunque siguen manteniendo ese rollo más atmosférico a lo largo del mismo, un tema muy Agent Steel. El disco se pasa en un suspiro y casi sin darnos cuenta nos plantamos en el último tema y al mismo tiempo el más largo, Psychic Silver Wheels es un tema de heavy con acento marcadamente más melódico donde la interpretación de su líder les acerca al sonido de unos Lizzy Borden, si bien las guitarras tienen un sonido más contundente y menos glam de lo que era habitual en la banda de California, en todo caso es un tema que le da un aire distinto y en cierta manera inesperado al final del disco. Pero les ha quedado muy bien ejecutado y como siempre con punteos de heavy clásico, sin conservantes ni colorantes. 

Los Skelator celebran sus algo más de dos décadas con un disco a la altura de sus predecesores, siguen en buen estado de forma, su vocalista no ha perdido ni un ápice de voz y su sonido entre heavy y speed es lo que uno se espera de esta banda. Disco muy entretenido y con buen nivel compositivo. 

Feeling: 4/5
Originalidad: 3,5/5
Técnica: 4/5
Producción: 4/5

Puntuación: 8/10

miércoles, 6 de noviembre de 2019

The beginning... (by Némesis)


MARC VANDENBERG – Phoenix From The Ashes (2019)


1. Odin´s Words
2. Warsong
3. Legalize Crime
4. Phoenix from the Ashes
5. You and I
6. This Romance
7. Warlord
8. Bad Blood
9. Bitter Symphony
10. My Darkest Hour 
  
Marc Vanderberg - Lyrics, Guitars, Bass Programing, Drum Programing, Orchestra Programing 

Special guests:   
Vocals: Paulo Cuevas, Philipp Meier, Oliver Monroe, Göran Edman, Raphael Gazal,  Chris Divine, Tåve Wanning
Michael Schinkel - Lead Guitar

Nuevo disco de este guitarrista alemán, el tercero si es que no llevamos mal la cuenta. El anterior ya lo comentamos en la web 2017 y estaba a un nivel bastante bueno. En este nuevo disco cuenta con una larga lista de colaboradores, entre los que hay destacar por su popularidad sobre los demás a  Göran Edman que fuera vocalista del Malmsteen. El album se publicará en marzo, pero como ya ha caído en nuestras manos para qué vamos a esperar para contároslo? Pues ahí va nuestra opinión. 

Odin´s Words es un heavy metal con un ritmo vivo, buena voz que le pone energía al tema, combinación de melodías y guitarras dobladas y el punteo con buena técnica de shred y melodía aunque escaso para mi gusto, un tema directo, que entra fácil y que sigue un esquema clásico sin aflojar el ritmo en ningún momento. Warsong es otro tema con guitarras melódicas a lo Gary Moore, Rudi Pell, con dominancia de ritmos heavys, el esquema es muy similar a la anterior. 

Legalize Crime tiene un comienzo vibrante con trémolo y buenas melodías guitarreras, voz con garra y otro tema con una base rítmica que le mete actitud al tema, algo que gana de manera clara respecto a su anterior disco. Lo que me sigue pareciendo escaso es la duración de los punteos, sobre todo teniendo en cuenta que el guitarrista es el fundador y el que compone los temas, por lo menos se sale de lo habitual que es que se dedique más tiempo a sí mismo. 

Phoenix from the Ashes tira de unos riffs distorsionados doblados por melodía para comenzar un corte que parece seguir los tiempos de unos Judas Priest de un Defenders por ejemplo, tiene esa mayor ambientación metalera, aunque con la entrada de tecladas y estribillo va evolucionando más hacia el lado melódico a lo Alice Cooper, en todo caso es un tema con muy buenas vibraciones. También tiene el mejor solo del disco.

You and I es el tema interpretado por Edman, formato semibalada, un estribillo muy agudo y hard rockero, con buenos arreglos de guitarra por medio que le dan más chispa al tema, el solo escaso nuevamente. This Romance empieza con teclados y me gusta los riffs de corte heavy que mete en el cambio de ritmo y que parecían anunciar una pista más contundente, pero de nuevo se queda en un medio tiempo rockero que tiene como novedad las voces femeninas, el tema más comercial del disco, el más sencillo también y el que menos poso deja.

Warlord confirma la ralentización del disco desde el principio y a medida que van cayendo los temas. Una especie de heavy melódico con ciertos arreglos sinfónicos como fondo. La batería tampoco es el aspecto más trabajado y en los cambios de ritmo sobre todo se echa en falta más pegada. Bad Blood juega entre el rock y el aor, algo así como si quieres mezclar unos Bon Jovi o Aerosmith con un punto aor, por supuesto de los temas más dulzones del disco y el disco que sigue girando como una noria en cuanto a estilos se refiere, el punteo sin ser la panacea es de los más interesantes del disco. 

Bitter Symphony tiene un sonido retro en las guitarras que me parece de lo más interesante del disco, aunque no me pega tanto con la voz tan melódica, creo que le iría mejor una voz más aguerrida acorde con los buenos riffs que muestra, de nuevo el punteo no llega ni a los veinte segundos, un claro inconveniente para mi gusto. My Darkest Hour cierra el disco y es la balada más clásica pero que no aporta nada novedoso. Me quedo con el trabajo de riffs del disco, buenos y en algunos momentos brillantes, pero me decepciona la labor a nivel solista y la base rítmica le resta puntos al trabajo, demasiado lineal y fría. Curiosa también la evolución del disco con unos temas bastante heavys al principio para acabar dándose a los ritmos más blandos y rockeros en la mayor parte del trabajo. Se disfruta pero faltan temas o momentos de esos que se te quedan grabados en la memoria. 

Feeling: 3/5
Originalidad: 2,5/5
Técnica: 3,5/5
Producción: 3,5/5

Puntuación: 6,5/10

martes, 5 de noviembre de 2019

Treecreeper (by Gorilla)


SCYTHE FOR SORE EYES – Nothing (2019)


1. MFR  04:42
2. Never Like You  03:31
3. Take the Fight  04:32  
4. Black Monday  03:25
5. Philosopher's Stone  04:07
6. You C(o)unt  03:32
7. Hate to Love You  04:41
8. Not Human  03:20
9. 370HSSV  04:43
10. Clockwork  04:47
11. Daylight Darkness  05:02
12.  Spiders in the Attic  05:04
13.  Are we Old  03:15

Timo V - Vocals
Muti - Drums
Jape - Guitar
Timo R - Guitar

Segundo disco de esta banda de Helsinki, con un sonido que se puede catalogar como Metal aunque recoge influencias de varios estilos. MFR es un tema de metal con bastante groove pero lo enriquecen también con el toque ambientla y un poco gótico, con lo que les queda una canción un tanto rockera y comercial. El solo con una melodía un tanto sombría le da poso al tema y gana enteros.

Never Like You cambia el ritmo y se mueve en tren un metal con influencias del thrash pero sin meterse de lleno y permaneciendo dentro del terreno del metal en su sentido más genérico, menos elaborado que el anterior. Sorpreden la guitarra heavy de corte épico del principio Take the Fight, pero lo bueno de ellos es que siempre se mueven entre distintos ambientes y en este caso es un metal de influencia gótica. 

Black Monday es un medio tiempo con melodías que salpican el tema en medio del groove. Philosopher's Stone es un tema que inician con acústicas y se desarrolla a un tiempo lento con algunas paradas, bajo dimensionado y riffs machacones. You C(o)unt es un tema de sonido rockero con riffs y punteo que le dan una nota más metalera en algunas fases. 

Hate to Love You es una balda con acústicas y voces relajadas, un punto a su favor es que no se casan con ningún sonido y son capaces de meterse en temas de orientación más sensible como este sin remilgos y sonando convincentes. Después de la calma llega  la tempestad con Not Human, metal con orientación punk, ritmo con mucha caja y groove para darle una nota más rebelde. 370HSSV es un tema de riffs rockeros alternados con otros heavys, siempre con un sonido actual pero con personalidad. 

Clockwork comiena en formato balada pero de corte más comercial y blando que la anterior, aunque a medida que transucurre el tema va ganando en interés y fuerza, con bastantes momentos para la ambientación melódico algo que parecen haber sacado del cajón del melodeath y donde se lucen bastante, las cosas como son. Daylight Darkness es un tema con una sonoridad más oscura y decadente, que contrasta con otros anteriores y le da un toque de frescura melancólica al disco. 

Acabamos con Spiders in the Attic donde siguen tirando de su vena más dramática y emotiva, con muy buenas guitarras atmosféricas, poniendo el ritmo y las voces al servicio de la ambientación.  Are we Old supone un puñetazo en la mesa, un tema con sonido heavy, de riffs potentes y un poco de folclore en las melodías y los coros, una forma animada y una vez más diferente de acabar el disco. 

Valoro especialmente la capacidad creativa de la banda a la hora de ofrecer un disco de muchos temas pero apostando por diferentes enfoques, sin altibajos y sin con un estilo que se puede denominar como Metal pero que juega entre el rock, el heavy,  el ambient, el groove… Un disco valiente. 

Feeling: 3,5/5
Originalidad: 3,5/5
Técnica: 3/5
Producción: 3,5/5

Puntuación: 7/10

lunes, 4 de noviembre de 2019

Nightwinds (by Parasite)


AXECUTER - Surrounded By Decay (2019)


1. Surrounded by Decay  03:17  
2. Rise and Fall  04:57  
3. Separate Ways 04:35  
4. Darkness in Bottles   04:57  
5. Dying Source  04:50  
6. Collecting Enemies  03:18  
7. Darwin Was Right 03:37  
8. Metal in Wrong Hands  04:57  
9. Spend the Dollar  03:52  
10. Passage Back to Hell  07:05

Danmented - vocals (lead), guitars
Rascal - bass, vocals (backing)
Verdani - drums

Segundo LP que lanza al mercado este trío brasileño formado en 2010. Lo último que comentamos de ellos fue su directo editado el año pasado y que nos dejaba un sonido natural y sin artificios. Además de estos discos tiene varios eps y splits a lo largo de los años, así que ya van acumulando un cierto material para poder girar por ahí con solvencia y sin depender de versiones. 

Empezamos con Surrounded by Decay que es un tema instrumental, algo no muy habitual para comenzar un disco, personalmente no soy partidario de este tipo de temas para arrancar un disco, creo que el comienzo debe ser ya potente para ponerte las pilas. Además es un tema que me deja un tanto frío, un heavy con riffs melódicos pero sin mucho mordiente.  Rise and Fall ya se deja de experimentos, un heavy con potente voz grave, con riffs melódicos pero también una tendencia hacia el speed a medida que nos acercamos al solo y por momentos le dan más protagonismo al bajo. 

Separate Ways en cambio tiene el típico ritmo de batería y bajo que impone una marcheta heavy de esas para mover el cuello al compás, pero con inteligencia por su parte van interculando fragmentos donde el ritmo se enfoca hacia el speed y en esos momentos es cuando más cuajan, un speed melódico con suficiente potencia y el solo melódico contrastando en velocidad y melodía, algo muy de bandas como los Ironsword o los Visigoth.

Darkness in Bottles es un tema con velocidad desde el principio, no se complican en la estructura de los temas, sota, caballo, rey, y siguen tirando de melodías en ciertas partes del tema, como el solo, siempre con efecto. Dying Source tiene un inicio acústico antes de meterse en el ritmo killer, lo más destacado son los riffs melódicos doblados y los solos. Collecting Enemies es el tema más a degüello en lo que va de disco e incluso se puede catalogar como thrash y es que no nos engañemos, estos brasileños están claramente influenciados por el thrash melódico de los Kreator de estos últimos año, incluso la forma de cantar tiene una similitud. Darwin Was Right sigue ese estilo thrash, me sigo quedando con las partes instrumentales que introducen junto al solo como lo mejor de cada tema. 

Metal in Wrong Hands es un medio tiempo heavy pero con reminiscencias de thrash en algunos riffs, con efecto groove y guitarras más cortantes, tarda en entrar la voz que en este caso cede más protagonismo a la parte instrumental.  Spend the Dollar es un heavy con la expectactiva de que en alguno momento se van a lanzar al galope pero se queda en eso, con arreglos y voces que se orientan al thrash.  Passage Back to Hell es el tema más largo del disco y con el terminan, se trata de un medio tiempo en el que por fin meten una pausa ambiental a mitad de tema con sonido más speed en algunos riffs y por supuesto el punteo con reverb marca de la casa. 

No van a descubrirnos nuevos territorios pero entregan un disco sin dobleces, con las cartas sobre la mesa, solos que cumplen y ritmos que te animan a saltar. Lo menos positivo es la escasez de un sonido propio o que suenan mucho a otras bandas que son referencia dentro del gremio, pero no se puede negar que es una banda que divierte, especialmente en directo donde la lían parda. 

Feeling: 3/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3/5
Producción: 3,5/5

Puntuación: 6,25/10

domingo, 3 de noviembre de 2019

Detachment (by Eternal Storm)


CHALICE – Silver Cloak (2019)


1. Silver Cloak  (3:41)
2. Drowning In Dream  (1:41)
3. Parallel Path  (8:20)

Verneri Benjamin Pouttu - vocals & lead guitars
Mikael Cristian Haavisto - lead guitars & keys
Joni Adrian Petander - bass
Olli Eemeli Törrönen - drums

Esta banda finlandesa formada en 2016 publicó sus primeros temas al año siguiente y destacaban por su heavy oscuro. Ahora dan continuidad a esas primeras canciones con los tres temas que forman parte de este ep, uno quisiera que se tratase de un disco completo con sus ocho o diez temitas, pero esto es lo que hay y más vale hacer las cosas a fuego lento que correr mucho y dejarse la calidad por el camino. 

Primer tema con  Silver Cloak. Los primeros compases me siguen consolidando las buenas sensaciones que ya me dejara su demo de 2017. Un ritmo heavy con personalidad gracias a unos riffs dinámicos y a una voz con carisma, que se da tanto a las melodías como a registros más agresivos y con agudos desgarrados que refuerzan el carácter de la banda. Los punteos cumplen con las expectativas sobradamente, anclados en un heavy melódico. Desprenden energía y los compararía con los suecos Ram por la capacidad que tienen para transmitir. 

Drowning In Dream no llega a los dos minutos de duración a base de acústicas y teclados atmosféricos. La verdad es que para ser un ep con sólo tres temas quizás está un poco fuera de lugar este tipo de composiciones pero no cabe duda que este tema instrumental transmite sensaciones y tiene un aire ensoñador que invita a cerrar los ojos y dejar volar la imaginación. 

Último pildorazo con  Parallel Path, para compensarnos de la brevedad del corte anterior en este se extienden hasta los ocho minutos. Riffs melódicos para comenzar y van desgranando poco a poco hard heavy melódico de alto nivel emocional, creo que es la característica que mejor define a esta banda finlandesa, las guitarras tienen ese aura de misticismo o de transcendencia que no está al alcance de cualquiera. Estribillo con buen gancho seguido de punteo melódico rockero de la vieja escuela y riffs melódicos, tiene encanto, tiene magia, manteniendo un ritmo a media velocidad sin perder los papeles y con mucha clase. 

Segundo corto duración de esta banda y segundo pleno en el centro de la diana. De nuevo toca esperar hasta que editen su disco de debut pero este nuevo ep no hace sino confirmar que estamos ante un grupo especial, temas que atrapan sobre todo por su lado melódico e hipnótico en los riffs y un cantante que sin hacer grandes alardes encaja como un guante en el sonido del grupo. Pues lo dicho, a esperar, a seguirles la pista y mientras tanto a contentarse con lo que nos han servido como aperitivo hasta ahora. 

MIDNIGHT BULLET – Into the Fire (2019)


1. Ain't Dead Yet  03:10
2. Into The Fire  03:58
3. Rise  04:12
4. Over the Edge  03:21
5.  One Man War  03:12
6. Second Chances 03:27
7. No Turning Back 04:32
8. Break Me First  03:37
9. Quite Whisper  03:37
10.  Morning Star  03:44
11. One by One  03:07  
12. Leavings 03:57

Tuomas Lahti - vocals, guitars
Mikko Nokelainen - drums
Lauri Ikonen - lead guitars
Mirko Miettinen - bass

Tercer disco que presenta esta banda de Finlandia, teniendo en cuenta que se formaron en 2009 van a una media aproximada de un disco cada tres años, no es la bomba pero tampoco es mal ratio. Según comentan, la portada del disco “bola” negra de maldad que todos llevamos dentro y que se expresa a través de distintas emociones o comportamientos como la depresión, el miedo, etc. Dicho esto vamos a examinar el apartado musical de este nuevo álbum. 

Ain't Dead Yet es un heavy tirando de groove y con su punto punk, con el vocalista también poniendo un poco la nota melódica en el estribillo, tiene garra y ofrecen una buena dosis de punteos.  Into The Fire arranca con un ritmo heavy más clásico, repitiendo riff con cierto deje épico, van relajando el ritmo y dándole un carácter más melódico al tema pero con buen criterio vuelven a rescatar periódicamente el riff del inicio, el punteo con reverb y luego acelerado culmina otro buen tema. No les flata actitud a estos chicos, un punto a su favor. 

Rise es otro medio tiempo tirando de groove y ambientación con un sonido a lo Alice Cooper, pero esconde sorpresa porque por medio endurecen el ritmo y se tiran de cabeza al groove. Toda la energía que ponían hasta ahora se esfuma de repente en  Over the Edge, un tema con énfasis en el groove y la parte melódica pero facilón y sin chispa, primer tiro en el pie, me recuerda a las gambadas de Waters con Padden en Annihilator, cuando te metían una balada que no pegaba ni con cola. Lo tratan de salvar con el punteo pero ya es demasiado tarde. 

En One Man War parece que me oyeron criticarles y suben la intensidad de la base rítmica pero sin embargo las vocales y los riffs a lo Metallica con un metal de rollo moderno pero hueco no me acaba de convencer, eso sí, en los solos no se andan con experimentos.  Second Chances confirma que a medida que avanza el disco se van olvidando de la parte heavy y se meten más en el groove y en un sonido comercial más propio de bandas de rock alternativo. 

No Turning Back muestra un inicio acústico que es como un paréntisis en la deriva de chándal metal que llevan en los últimos cortes, cuando entra la base rítmica se confirma que es una balada, no me acaba de tocar la fibra sensible y algún guitarrazo groove que meten por medio tampoco ayuda a ello. Eso sí el guitarra solista sigue tirando de estilo heavy clásico, pero no es suficiente para sacar los temas a flote. 

Break Me First parece que recupera un poco las buenas sensaciones del principio pero me metan las partes en que el vocalista mete el estribillo melódico de rollo metal Mtv.  Quite Whisper es otro corte muy comercial que tratan de disfrazar con el groove, pero al menos tiene un poco más de gancho, los riffs más vistos que el tbo. Siguen poniéndose melosos con Morning Star  y la verdad es que no les pega, las cosas como son, no resultan para nada convincentes. Lo gracioso es que el guitarra sigue a los suyo metiendo punteos decentes, un desperdicio en toda regla. 

A estas alturas del disco ya no me espero nada del disco y es por eso que quizás me sorprende el metal más agresivo de  One by One, ritmo potente y buen acompañamiento de guitarras, pero tienen un problema con el vocalista que parece que va por libre y en cuanto se despistan sus colegas se pone a hacer cantos de sirena que nada tienen que ver con el tema. Leavings tiene otro inicio acústico con buen desempeño en la guitarra, sin duda el punto más fuerte de este grupo, el tema es un tanto a piñón pero el vocalista se mantiene en un segundo plano y el resultado final es mejor. 

Tienen un problema de identidad claro, parece como si hubiera dos cabezas dentro de la banda, por un lado la groove melódica comercial y simplona, e insulsa, que encabeza el vocalista, y por otro la más heavy clásica y purista que borda Lauri Ikonen, enhorabuena para él, pero no es suficiente para salvar el buque y el naufragio es inevitable. Detecto lucha de egos por aquí… una pena porque hay buenas tablas. 

Feeling: 1,5/5
Originalidad: 2,5/5
Técnica: 3/5
Producción: 4/5

Puntuación: 4,5/10

viernes, 1 de noviembre de 2019

Ravenmaster (by Moonchamber)


SUPERSTITION –The Anatomy Of Unholy Transformation (2019)


1. Unholy Transformation Pt. I  (1:16)
2. Highly Attuned Beasts Of The Dark  (4:09)
3. Spiritual Sunderance  (5:12)
4. Unholy Transformation Pt. II  (0:45)
5. Passage Of Nullification  (4:48)
6. Torn In The Outer Lands  (4:33)
7. Unreclaimed Blood (Phantom Swarm)  (5:06)
8. Unholy Transformation Pt. III  (1:10)
9. Charnel Pleasures  (7:21)

D.J. - bass
D.M. - drums
K.M. - guitars, bass, keyboards
L.S. - vocals, guitars

Tengo ante mí el debut de esta banda yanqui de Santa Fe, estado de Nuevo México. Poca más información disponible acerca de ellos, no está claro cuándo se formaron ni quiénes están detrás de este proyecto. Hasta ahora dos demos que no suenan nada mal y ahora el estreno con todas las de la ley y de la mano de un sello que apuesta por sonido extremo como es 20 Buck Spin. 

Empezamos con Unholy Transformation Pt. I que por supuesto promete una segunda parte, se trata de un breve corte a modo de intro, instrumental, de ambientación black y con sonidos distorsionados y agónicos, da muy buenas sensaciones. Y efectivamente se confirman esos buenos augurios ya desde los primeros riffs de  Highly Attuned Beasts Of The Dark, son guitarras belicosas, cargadas de poderío y acompañadas de un ritmo y una voz black putrefacta, pero fijaros sobre todo en como el batería va marcando de manera magistral los tiempos del tema, echándose el grupo a sus espaldas. Excelente la producción que brilla especialmente en los solos crudos y sin anestesia de ningún tipo. Genial puesta en escena con un tema que luce tanto por su crudeza como por su sonido de black death. 

Spiritual Sunderance es un tema de ritmo más atrancado e intrincado, siguen presentes los riffs con fuerza y eso es todo lo que les hace falta para mantenerte en vilo hasta el solo donde de nuevo se desangran sin contemplaciones, parece sencillo, lo hacen sencillo y suena más que convincente. Atención especial a la parte final donde revolucionan el tema con riffs angustiosos y una batería que recurre mucho al uso de platos para acentuar ese sonido en tensión. 

Llegamos a la anunciada segunda parte del tema introductorio,  Unholy Transformation Pt. II y para no variar es otro tema instrumental y de transición, aún más breve que el anterior y desarrollado con teclados desgranando una melodía siniestra. Deja paso a  Passage Of Nullification que tienen en sus guitarras la esencia de los Death, técnica y sonidos disonantes. Van manteniendo este mismo esquema hasta que se desatan con el solo en la misma línea de todo el disco, es decir, agónico a más no poder. 

Pasamos el ecuador del disco con Torn In The Outer Lands, las voces ser convierten en protagonistas mientras mantienen el ritmo a la espera del solo siempre entre encabritado y aniquilador, recurren a la misma fórmula una y otra vez como un mantra, pero cuando algo funciona es difícil que te defraude o te canse y estos tienen las sinceridad de los Venom de sus primeros discos, no se andan con zarandajas ni van de postureo. Unreclaimed Blood introduce un cambio importante con melodías oscuras desde el principio dobladas por riff distorsionado, eso hace que el tema adquiera una condición más ambiental que los anteriores y lo bueno es que son capaces de hacer compatible eso con cambios de ritmo poderosos donde imponen una marcheta y unos riffs implacables, lo mejor en lo que va de disco, sencillamente arrollador. 

Unholy Transformation Pt. III como su propio nombre indica es la parte que completa la trilogía de cortes breves ambientales que introduce el disco, en la misma línea cavernosa de los dos anteriores y sirve para presentar el corte más largo del disco,  Charnel Pleasures. Es un tema largo donde se permiten ir evolucionando en el ritmo con una primera fase más lenta y ambiental, suben luego un peldaño en intensidad con el acompañamiento de las guitarras, machacándote una y otra vez con el clásico sonido old school, y lo hacen con una pulcritud excepcional. Sucesión de solos descarnados y con un despliegue de batería que es sencillamente magistral para acabar los dos últimos minutos tirando de sonido ambiental que va muriendo poco a poco. 

Death metal oscuro, crudo, con su técnica y despliegue old school, van al centro del meollo sin aditivos y la producción encaja como un guante en ese sonido. Puede que no inventen nada, pero saben muy bien lo que quieren y suenan convincentes como pocas bandas de nuevo cuño son capaces de hacerlo, excelente debut. 

Feeling: 4/5
Originalidad: 3,5/5
Técnica: 4/5
Producción: 5/5

Puntuación: 8/10

DELFINIA – Deep Elevation (2019)


1. Deep Elevation  02:14  
2. Loneliness 03:54
3. The Fate  04:52  
4. The World of Dream  05:00  
5. I'm Here  03:58
6. Do You Remember   04:04
7. Heaven  04:48  
8. The Brightest Days   04:48  
9. Call of the Wind  07:59  
10. Eyes of Are Calling  05:34  
11. Autumn Dream  04:21

Konstantin 'Laars' Naumenko - vocal, music, lyrics
Daria Naumenko - keyboards, vocal

Guest musicians:
Roland Grapow (Masterplan, ex-Helloween)
Olaf Thorsen (Labyrinth, Vision Divine)
Ross VC Thompson (Van Canto)
Jocke 'Aerendir' Johansson (Twilight Force)
Krzysztof Gunsen Elzanowski (Pathfinder)

La lucha por el cáliz dentro del Metal es complicada y sin piedad, para alcanzar la fama no sólo debes tener calidad, buenas ideas, estar inspirado, etc, etc sino también encomendarte a todos los santos para que te guíen hacia la luz y que el destino te sea propicio. Por eso cualquier ayuda es bien recibida y supongo que eso es lo que tenían en mente los dos únicos miembros de esta banda, por cierto ambos también en la banda ucraniana Sunrise, cuando solicitaron la colaboración de nombres importantes o al menos conocidos, la importancia ya se la puede adjudicar cada uno, dentro del mundo del power europeo. Veamos que tal les ha salido la jugada con estos temas con los que debutan.

Una primer intro a base de teclados en Deep Elevation, al estilo típico de bandas de power creando un poco de atmósfera y de misterio. Acto seguido comienza Loneliness, el tema arranca a un ritmo medio para introducir cambios con que van metiendo más velocidad y unas melodías a lo Sonata Arctica, un poco de groove, y combo de solos al uso en las bandas de power melódico. Correcto, pero no llega a ser un tema matador y además el sonido clonado es bastante evidente. 

The Fate arranca con riffs melódicos que dan pasa un tiempo lento y sin guitarra para que el vocalista dibuje unas cuantas melodías vocales y así van transcurriendo el tema a ratos sin guitarras, pero repitiendo siempre las mismas melodías como mecanismo para atrapar al oyente, lo mismo que el estribillo, bastante predecible. 

The World of Dream se inicia con sintetizadores, rollo muy electrónico y maquinero para introducir este tema donde dimensionan más el sonido del bajo y también dominan más los teclados, con aceleraciones power, el problema es que todo está bastante visto y no sorprenden en ningún momento. Lo mejor sin duda es el apartado del solo power melódico, pero la consiguiente parada ya la podías ver llegar desde antes de que acabase el punteo.  I'm Here es un medio tiempo de sonido melódico comercial que se mueve entre el power y un poco de hard melódico, el sonido como en temas previos es muy melódico pero con escasa garra e intensidad. 

Do You Remember comienza con unos teclados clásicos que al menos ya son un cambio con el sonido más electrónico de los últimos temas. Pero con el cambio de ritmo vemos que todo sigue más o menos igual, groove, alternancia entre medios tiempos y otros más rápidos y siempre buscando la línea melódica que enganche a lo Sonata o Avantasia.  Heaven sigue la misma fórmula pero las inserciones de leads melódicos y de de solos le aportan un extra de vitaminas a este tema que hace que emocione más que lo escuchado hasta ahora. 

The Brightest Days es un tema que se podría clasificar más como heavy melódico que como power, me sigue pareciendo excesivamente blando el sonido del grupo, con subidas de tono tan predecibles como que mañana saldrá el sol.  Call of the Wind es el mejor tema del disco, sencillamente porque hacen algo con más sentimiento, una balada con tonos melódicos y también épicos, bien apuntalada por los coros y los teclados clásicos, donde la base rítmica no parece sacada de un computador como en la mayoría del disco, tiene feeling en una palabra. Los punteos también muy acertados, es justo lo que le falta a los otros temas. Por cierto, Laars no es mal vocalista, no tiene mala voz, pero es más plano y soso que un lenguado, le quita chispa a los temas. 

Eyes of Are Calling es un tema a lo Nightwish, lento en el tiempo, con sonido melódico gótico, donde parece que van a arrancar pero no acaban de hacerlo del todo. Un tema donde juegan con la voz femenina, los teclados y la atmósfera gótica, el solo es lo mejor. Llegamos al final con  Autumn Dream una balada más, aceptable pero bastante previsible, una vez más, con la típica repetición de esquemas. 

Sacando un par de temas los demás parece que los haya escuchado un millón de veces a través de otras bandas pero, eso sí, con mucha más intensidad y convicción que la que consiguen transmitir estos ucranianos, a pesar de todos los invitados que tienen en el disco. No carecen de técnica pero sí de eficacia a la hora de aplicarla, salvo en  Call of the Wind que les ha quedado redondo y es en lo que tendrían que fijarse para buscar el éxito, si es que eso les interesa en algún momento. 

Feeling: 2,5/5
Originalidad: 1,5/5
Técnica: 3/5
Producción: 4/5

Puntuación: 5,5/10

miércoles, 30 de octubre de 2019

Land of the river (by Travelin Jack)


SILVER DEVIL – Paralyzed (2019)


1. Howl 03:42  
2. Rivers 04:54  
3. Paralyzed 05:12  
4. Nightwalker  05:07  
5. No Man Traveller 04:05  
6. Octopus  03:10  
7. Beast 03:33  
8. Hypersleep 08:39

Erik Bergkvist - bass
Marcus Ström - drums
Jonas Hamqvist - guitars
Otto Molin - guitars
Anders Löfstrand - vocals

Banda de Estocolmo formada en 2005, un ep y su primer disco en 2011, así que ocho años después vuelven a sacar nuevo disco. Abren fuego con Howl donde ya dejan ver bien a las claras la influencia del stoner en su sonido, riffs monolíticos con mucho fuzz en las guitarras. Rivers es más en la misma línea, las voces juegan un papel ambiental en sus temas, mientras que los ritmos son a medio tiempo, en este caso las guitarras tienen una mayor presencia de sonido heavy. 

Paralyzed es la tercera bala consecutiva en la misma diana, los temas suenan con una solidez en cuanto a estética musical, con coherencia, pero tienen un problema grave de diversidad, porque todos los temas suenan especialmente parecidos entre sí, sobre todo en cuanto a la base rítmica se refiere. En este caso le dan un poco de variedad a las guitarras con un enfoque más setentero, algo de wah, pero el vocalista parece que ha entrado en un bucle, no esperes punteos tampoco.  Nightwalker muestra algo más de agilidad en algunos guitarrazos y tiene un ritmo ligeramente más dinámico, pero en esencia es lo mismo, aunque aquí sí encontramos el primer solo del disco seguido de unos riffs melódicos. 

No Man Traveller es un tema más lento y más cargado de atmósfera, pero la permanencia del sonido fuzz hace que todo cobre una homogeneidad en este disco.  Octopus lleva un enfoque más sicodélico en las guitarras pero también tiene su pausa con un sonido entre experimental y de space rock, es claramente la canción más acertada del disco, pese a que el cantante parece que esté manejando siempre la misma letra. 

Beast es de lo más stoner del disco, de nuevo tocando el núcleo duro de este disco, parece que en algún momento se haya rayado y no salgamos de la misma pista, aunque no suene mal, pero oye… El final lo ponen con  Hypersleep, un tema de más de ocho minutos donde juegan un poco con el heavy doom al principio para introducir el tema hasta que van tomando la velocidad de crucero. Las guitarras suenan más heavys, aunque el groove y el fuzz sigue presente, pero el hecho de que el vocalista apenas introduzca variaciones de unas canciones a otras hace que los temas pierdan agilidad y frescura. Tema con parada y solo, mucha distorsión y sonido sucio para rematar el disco  con bastante actitud pero poco acierto a la hora de incentivar la escucha completa del álbum una y otra vez. 

Feeling: 2,5/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3,5/5
Producción: 3,5/5

Puntuación: 6/10

lunes, 28 de octubre de 2019

Before i hang (by Jon Oliva's Pain)


ALASE – Vastaus (2019)


CD1:
1. Vastaus 
2. Näkyvä 
3. Binary Stars 
4. Osa minua 
5. Vaienneet
6. Vapaaksi merkitty
7. Riisuttu
8. Haukka
CD2: (Bonus CD):
1. Vielä
2. On jatkettava
3. Kidukset
4. Utopian hellimät
5. Erehdykseni
6. Sanaton syytös

Janne Lunnas - guitar
Mikko Häkälä - guitar
Ari Miettinen - bass
Toni Paananen - drums

Vocalists:
Markus Hirvonen (Noumena): Vastaus, Näkyvä & Riisuttu
Ville Nisunen (Vini): Binary Stars
Jani Ala-Hukkala (Callisto): Osa minua
Eemeli Bodde (Mors Subita): Screaming vocals on Vapaaksi merkitty
Sami Honkonen (Embreach): Clean vocals on Vapaaksi merkitty
Janne Lunnas: Choir/ambient vocals on Vastaus, Vaienneet & Haukka + screams on Näkyvä & Osa minua

Esta banda empezó a preparar este debut en 2017, así que está cocinado a fuego lento y como podéis ver hasta incluye temas extras. Cantan en su idioma natal, con lo que no nos enteraremos de nada a no ser que hayamos pasado en Laponia largas temporadas. También llama la atención que para cada tema suelen usar vocalistas diferentes que no forman parte del lineup del grupo como tal, en concreto en este disco participan hasta seis vocalistas diferentes, no es de extrañar que les haya llevado meses grabarlo. 

Vastaus es un primer tema a modo de introducción y con un rollo muy ambiental, tirando más hacia metal que a rock. Näkyvä sigue con ese estilo entre metal melódico o ambiental y rock, me gustan especialmente los sonidos atmosféricos que le sacan a la guitarra, no me convencen tanto las voces medio distorsionadas y el recurso al groove más propio de bandas de perfil comercial y que se carga un poco la atmósfera que tan bien habían construido. 

Binary Stars es un tema rockero con un tiempo progresivo y guitarras de nuevo ambientales donde subliman sensaciones acertadamente. La voz, no sé a quién le toca turno ahora, me sigue sin convencer, con un perfil más comercial o alternativo que no me encaja del todo, pero el punteo me reconcilia con la parte más atmosférica del tema. 

Osa minua pone de nuevo el énfasis en el apartado en el que el grupo suena mejor, recreando ambientaciones y sonando con un estilo de rock progresivo, es un tema más lento que los anteriores en los que de nuevo acaban metiendo groove pero suena mucho más compacto y coherente. Vaienneet es un breve corte de transición instrumental y atmosférico. Cambian el chip por completo con Vapaaksi merkitty, y hay que decir que no le queda mal al disco, le da un toque de garra. Viene a ser un corte mixto entre death melódico, con uso de guturales, y un poco de rock prog o alternativo, un estilo a unos Katatonia. 

Los inicios de Riisuttu vuelven a ser realmente mágicos, con unos acordes ambientales que encandilan y  diferencia de otros cortes aquí mantienen esa prevalencia ambiental aunque subiendo la intensidad puntualmente con la distorsión, muy bueno el manejo de los tiempos y de las guitarras en un corte que se acerca al doom o al death melódico. 

Haukka cierra el disco con unas buenas melodías más propias del viking melódico o del death que de una banda de rock, aunque sean con un tiempo más lento y sin la agresividad de bandas de esos géneros, pero un estilo muy de los países nórdicos indudablemente. Es un tema instrumental, de lo más destacado del disco, y que pone encima de la mesa la constatación de que esta es una de esas bandas donde la instrumentación está por encima de las voces, una demostración de como crear buenas sensaciones y de como acabar un disco de manera muy acertada. Claramente me quedo con la parte instrumental de la banda y, es más, por momentos dan ganas de que alguien desconecte el micro para disfrutar solo de sus recreaciones ambientales sin interrupciones. 

Feeling: 3,7/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3,5/5
Producción: 4/5

Puntuación: 7/10

sábado, 26 de octubre de 2019

Blood Oath (by Revel in Flesh)


WILDHEART – No Love (2019)


1. The Mirror
2. A Stranger's Eyes
3. Nothing But Trouble
4. Dutch Courage
5. No Love
6. One Way Ticket To Paradise
7. Rumours
8. Good To Be Bad
9. The Winner's Always Right
10. Valerie
11. Tonight We Rock

Farty - vocals
Foxx - guitar
Stevie Dee - bass
Juice - guitar
Thunderberck - drums

Os voy a hablar del primer disco de esta banda belga de rock  con claras influencias de los 80, sobre todo dentro del ámbito del glam. Como cualquier banda de rock que se precie, antes de llegar hasta aquí ya han tocado en muchos sitios, compartiendo escenario por ejemplo con bandas como LA Guns, Channel Zero, Evil Invaders, Night Ranger o Skid Row. 

Arrancan el disco con la intro The Mirror, un tiempo creciendo en intensidad y metiendo las guitarras poco a poco. Le sigue A Stranger's Eyes, un tema como os decía antes de claro sabor ochentero, un poco de los Ratt, otro poco de los Skid Row. Vocalista con una voz bastante aguda y mucho apoyo de coros, el estribillo entra pronto y fácil y el solo está bastante elaborado para lo sencilla que es la canción. 

Nothing But Trouble es un tema más suave, con un enfoque más glam, estructura clásica sin cambios y sucesión de solos con su nota técnica shred. Dutch Courage tiene un pequeño inicio con acústicas pero luego es el clásico tema de hard rock con tiempo muy marcado de caja y estilo a lo Dokken, Sikd Row, es cierto que suenan muy clásicos y muy ochenteros, pero entramos en el eterno dilema de qué es mejor, si sonar clásico o sonar con más frescura. Al menos hay que reconocerles que los solos están trabajados. 

Para ser una banda de rock y nada progresivo los temas son inusualmente largos, rondando los cinco minutos en muchos casos. No Love es un tema que se podría calificar como balada con aires aor, a destacar especialmente el buen trabajo de guitarras, el tema con más gancho en lo que va de disco, entra fácil y los punteos te lo ponen a huevo para que hagas un poco de air guitar.

One Way Ticket To Paradise es otro tema de rock melódico con un estilo muy Dokken o Danger Danger, cumple aunque no es un tema que me enamore y quizás el vocalista acaba por abusar un poco de la voz aguda. Rumours confirma que se instalan en los medios tiempos, guitarras con más distorsión le dan un poco más de potencia, aunque lo combinan con pausas, me deja un poco a medias este tema, con una dirección no muy concreta, pero el solo vale mucha la pena. 

Good To Be Bad tiene un comienzo con unos riffs muy a lo Whitesnake, pero nada tiene que ver con el penoso último disco que ha sacado la serpiente blanca, este es un rock ochentero con un rollo muy glam y punteos con shred de calidad, tampoco el vocalista me parece que esté especialmente inspirado quizás es que el estribillo no atrae lo suficiente. En todo caso hay que reconocerles que los guitarristas están un punto por encima del resto del grupo y se trabajan bien los temas con los punteos y metiendo leads interesantes, los riffs por contra están muy vistos y las melodías tampoco son nada que llame la atención. 

The Winner's Always Right tiene un riff de inicio con más mordiente y va acompañado de un ritmo más vivo que hacía presagiar un tema más cañero, pero en cuanto entra la voz ya rebajan la intensidad, es como si tuviesen esa consigna y se queda en un tema de rock melódico a lo Tnt. El riff setentero conel que comienza Valerie lleva todo el sello de unos primeros Van Halen y por ahí van los tiros, un tema rockero al que le tratan de dar un toque más ambiental, un estilo más de los setenta y con cierto regusto de blues en las guitarras, de lo mejor del disco, aunque no sea nada novedoso. 

Tonight We Rock cierra el disco con un sonido más alegre y más fiestero, a lo Danger Danger, 

Es un disco fácil de escuchar para todo aquel que guste del rock tradicional, tira mucho de sonido clásico y eso hace que sea de esos álbumes que dependiendo de cada uno puedas valorar más o menos. Si te da igual tomar el mismo menú cada día y lo disfrutas le darás una nota más alta, si buscas algo más fresco o con personalidad pues no lo valorarás tanto. Me quedo con la labor de sus guitarristas como lo mejor de su debut. 

Feeling: 3,5/5
Originalidad: 2/5
Técnica: 3,5/5
Producción: 4/5

Puntuación: 6,75/10