Witchfinder (by Them)

ARIA – Curse Of The Seas (2018)

1.Race For Glory

2.Varyag

3.Lucifer

4.Hard To be God

5.Let It Be

6.Lust Run

7.Alive

8.Kill the Dragon

9.Smoke Without Fire

10.From Sunset To Sunrise

11.Curse of the Seas

Vladimir Kholstinin - Guitars

Vitaly Dubinin - Bass

Maxim Udalov - Drums

Sergey Popov - Guitars

Mikhail Zhitnyakov - Vocals

Si llevas tiempo en esto del heavy metal poca presentación vas a necesitar que te hagamos de esta gran banda rusa, la mñas mítica que ha dado el país en todos sus años de historia, aunque ellos siempre tuvieron como proiridad el mercado nacional ruso y descuidaron por decirlo así la proyección internacional, que sin duda habrían tenido de haberse dedicado a cultivarla un poco. Para el que no los conozca basta dar un par de datos: trece discos de estudio alcanzan con este nuevo lanzamiento, funcionando desde 1985, y conocidos como los maiden rusos, por la similitud de su propuesta con la del grupo británico, si bien se podría decir que su carrera no ha tenido los altibajos de la doncella y algunos de sus discos superan con creces a los de maiden.

Dejando a un lado si se equivocaron o no al no intentar dar el salto a la escena internacional con más o menos ganas, una vez que Rusia se empezó a abrir al mundo occidental, lo que nos interesa es comprobar si este decimotercer album de la banda sigue poniéndolos como uno de los referentes del metal que se hace en Rusia a día de hoy. Para eso vamos a analizar lo once temas que componen este nuevo disco. Por cierto, ha sido mezclado por un viejo conocido de la escena, el señor Roy Z.

El núcleo duro de la banda lo componen los miembros originales, el guitarra Vñladimir, el bajpo Vitaly y el batera Maxim. El cambio de vocalista hace unos cuantos años cuando se fue el mítico Kipelov fue uno de los momentos más complicados para el grupo seguramente, pero eso ya forma parte del pasado y ellos han seguido tirando para adelante, y aquí los tenemos con nuevos temas bajo el brazo. Su anterior disco de estudio es de 2014, un tanto irregular y lejos de sus momentos más inspirados, pero tampoco se puede decir que sea malo y menos para una banda con más de 30 años de carrrera.

Empieza el disco con Race For Glory y un riff clásico y potente. Siguen cantando en ruso, lo típico en ellos y combinando melodías que recuerdas a su época ochentera con el Hero Asphalt y otros discos de nombre impronunciable pero que están en el recuerdo de todos los metaleros de aquella época que gustaban de escarvar un opoco más allá de lo que vendían los medios comerciales. El estribillo lleva la marca de los Aria de toda la vida. Y el solo melódico estaba cantado, seguido de acordes melódicos típicos de los Maiden. Un primer tema que no arriesga pero que entra muy bien.

Varyag tiene un comienzo con base de piano y una melodía un tanto melancólica, pero en cuanto entra la voz volvemos al sonido heavy típico. Está claro que quieren tirar hacia el heavy melódico pegadizo de su época dorada, es un tema un tanto más atrancado en ritmo que el anterior.

Lucifer parece que quiere hace honor a su nombre y recurre a acordes más oscuros y pausados, pero es una mera introducción, luego se impone un medio tiempo de riff sencillo y con incrustaciones melódicas, el solo es sin duda la mejor parte de la canción, se sale de lo trillado y tira de asonancias, para salir luego con riffs melódicos doblados.

De nuevo otro comienzo curioso en Hard To be God con ese toque guitarrero misterioso pero como en el tema anterior acaba desembocando en un medio tiempo que no da continuidad a esa atmósfera sino que más bien tira hacia un heavy con arreglos sinfónicos, algo novedoso en su sonido, no cabe duda.

Let It Be es una balada donde las melodías marcan el tema, tampoco está nada mal el despliegue vocal aunque el hecho de que no entendamos un pimiento de lo que dice le quita algo de magia al tema. Lust Run nos desvela uno de los riffs más acertados del disco al principio, luego riffs heavys de siempre y parte estelar para el solo, uno de los temas más maidenescos del disco.

Alive es uno de los temas más largos del disco y donde de nuevo vuelven a sorprender por un sonido más actual, con groove en la guitarra y distintas fases en el tema que pase de fases más pausadas y ambientales a otras más primitivas y directas, un poco el sonido de los Aria del nuevo siglo. Eso sí, nunca olvidan su faceta melódica y hacen gala de ello en la pausa y el punteo, un tema elaborado y de los más llamativos del disco.

Kill the Dragon es un tema marcado por una interesante base rítmica que parece un latido persistente y le da carisma al tema, bien acompañada por riffs y punteos melódicos, otro de los temas destacados.

Smoke Without Fire confirma la tendencia ascendente del disco y nos deja un buen medio tiempo con buenas partes ambientales, apuntalado por riffs heavys potentes y una buena parte experimental donde meten acústicas y se recrean en las guitarras. From Sunset To Sunrise es uno de los temas más directos y potentes del disco, rompe un poco la tendencia que llevaban las últimas canciones con una sonoridad más ambiental y experimental, no tiene la magia de las anteriores.

El punto final al disco lo pone Curse of the Seas, el tema más largo con doce minutos, cocinado a fuego lento, desde las acústicas del inicio y su tiempo pausado hasta que a mitad de tema pilla velocidad, es fácil hacer el paralelismo con los Maiden más actuales que le buscan el lado experimental o heavy a su música, solo que estos Aria tienen la virtud de mantener la energía del tema y no dormir al personal, gracias a buenos riffs y mejores melodías. Sin duda un disco que supera al anterior de los rusos, más trabajado, más inspirado y donde ofrecen una cara clásica en algunos temas pero también una más moderna e innovadora a partir de mitad del disco. Un album de esos que van ganando con las escuchas. Después de más de 30 años en la escena se puede decir que los Aria se mantiene con la cabeza bien alta y ofreciendo cosas interesantes.

Feeling: 3,5/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 7,7/10

Pure (by Lost Horizon)

RAINBURN – Insignify (2018)

1.The Wait 1:53

2.Merchant of Dreams 6:15

3.Elusive Light 6:36

4.Mirrors 4:16

5.Someone New 5:35

6.Purpose 2:41

7.Suicide Note 6:45

8.Insignify 1:46

9.Within 5:16

10.School of Atlantis 7:05

Vats Iyengar - lead vocals, guitar

Praveen Kumar - drums

Ravi Nair - bass guitar, vocals

Disco conceptual el que presenta esta banda de rock progresivo oriunda de la India, un mercado en expansión en todos los sentidos, y además se trata de un disco conceptual que habla sobre las vicisitudes del ser humano y las sociedades actuales en momentos que parece que los valores se diluyen y que todo corre a toda prisa, tema social por tanto.

Tras una intro se arrancan con un tema de claros tintes progresivos desde el inicio, Merchant of Dreams, buen nivel técnico tanto en la batería como en las guitarras. La voz es critalina y muy melódica y ciertamente redondea la labor del equipo. Pese a ser bastante técnicos en la construcción de los temas hay que decir que no olvidan el sentido melódico y eso que las canciones sean divertidas de escuchar y tocando diversos palos que abarcan el blues rock y el rock melódico ambiental.

Elusive Light es un tema absolutamente eléctrico, me encantan las múltiples caras que son capaces de ofrecer en cada tema, desde el rock melódico hasta el sonido heavy progresivo con acordes guitarreros de dificulotad técnica, acústicas, un pupurri de sonidos atractivo y muy variado. La prueba definitiva la tienes en el momento del punteo donde se sueltan la melena totalmente para después bajar revoluciones con una maestría y elegancia que yo solo he visto en gente de nivel como Savatage o Queensryche.

Mirrors es un tema que empieza pausado y muy ambiental, con el paso del tema se va revolucionando desde el punto de vista de la guitarra y la voz pero manteniendo el tiempo siempre controlando, creando un efecto y un contraste realmente delicioso.

Si te pusiesen de principio el tema Someone New igual pensarías que estás ante una banda de death progresivo o similar, tal es el rango de sonido de estos chicos. Luego ya pisan el freno y empieza a sacar toda su gama de tiempos y sonidos progresivos pero introduciendo a intervalos los riffs distorsionados más heavys. Magia y calidad es lo que desprenden en cada canción, con un saber estar a nivel compositivo que marca la diferencia respecto a otras bandas técnicas pero que no consiguen el mismo efecto.

Purpose nos ofrece el juego de voces corales combinadas al más puro estilo Queen o Savatage, maestros en ese aspecto, de hecho salvo algunos acordes ocasionales esto es lo único que tiene el tema. Quizás por su naturaleza lo pondría al final o al principio del disco para que no cortase un poco el buen rollo que lleva, pero supongo que tiene que ver con la historia que van contando.

Guitarras sucias y rockeras para arrancar Suicide Note, luego distorsión y heavy progresivo, haciendo mucho hincapié en las partes melódicas y con las ralentizaciones acaparando la mayor parte del tema. De nuevo, hay que destacar el muy buen hacer en el micro de Vats, tiene muy buena voz y muy buenas dotes interpretativas. Otro gran tema al que sigue otro interludio corto y que lleva el título del disco, compuesto por batería básica de caja y plato, acústicos y punteo melódico suave, jazz rock de calidad y sonoridades latinas.

Within es un rock melódico progresivo que me trae a la memoria los añorados Sanvoisen, a diferencia de otras canciones aquí apenas pisan el acelerador y priman la melodía y la sensibilidad, con buenas combinaciones de voces y melodías, manteniendo un riff central que forma el entramado de todo el tema. Suena bien, pero me quedon con los Rainburn desmelenados de temas anteriores.

Ponen el final al disco con School of Atlantis, es el tema más largo del disco y se mueve entre el rock y el jazz que te podrían destilar grandes genios de la guitarra como Satriani, Vai, Beck o Bonemassa. Es otro tema esencialmente pausadom melódico y progresivo pero mucho más versátil y variado que el anterior, con muchos más giros y alternancias, la verdad es que te puedes quedar extasiado escuchando a esta gente. Se han marcado un discazo que da continuidad a las expectativas que habían levantado con su ep de 2015. Lo tiene todo para triundar, calidad, técnica, buen gusto y feeling. Escucha obligada para todo el que guste de la buena música.

Feeling: 4,5/5

Originalidad: 4,5/5

Técnica: 5/5

Producción: 4/5

Puntuación: 9/10

GUARDIANS OF TIME – Tearing Up The World (2018)

1.Tearing Up the World 03:46

2.Raise the Eagle 05:13

3.We'll Bring War 03:57

4.Burning of Rome 04:03

5.Kingdom Come 02:58

6.Valhalla Awaits 04:25

7.Brothers of the North 04:09

8.Light Won't Shine 03:04

9.As I Burn 04:22

10.Drawn in Blood 03:23

11.Masters We Were 05:06

Bernt Fjellestad – Vocals

Paul Olsen – Guitars

Willy Aaraas – Drums

Jonkis – Bass

Quinto album de estudio de esta banda noruega de power y entre los puntos a destacar del disco hay que mencionar que cuenta con las colaboraciones de dos caras conocidas: Abbath y Tim ”Ripper” Owens, curioso cuando menos. Además la edición vinilo incluye una bonus en directo. Han tocado con grupos de relieve y en distintos países de Europa, entre ellos España.

Desde el primer pedal de Tearing Up the World no dejan lugar a la duda con el ritmo que lleva, doble bombo a tope y un buen vocalista que acapara la mayor parte de los focos, mientras las guitarras se mantienen en un segundo plano, eso sí, hasta que entran los solos, con un estilo melódico y potente, muy al estilo Judas.

Raise the Eagle empieza con un ritmo menor y tarando más hacia la sonoridad heavy power es un tema de estilo clásico, con cambios de ritmo y potencia vocal a cargo de Bernt que le da un extra al tema. We'll Bring War tiene un ritmo más constante y guitarras más aplomadas con derivaciones melódicas, un corte potente al estilo Cage preparando muy bien la entrada del solo.

Burning of Rome tiene un inicio con un riff demoledor al estilo Rob Rock más potente o un Impellitteri desatado y a partir de ahí van construyendo un tema con alternancias en el ritmo y con voces pausadas y melódicas muy bien alternadas con los coros power. Le sigue Kingdom Come una breve pieza donde dominan los acordes melódicos, un heavy power con mucha chispa y fuerza.

Inicio galopante con bajo y batería en Valhalla Awaits , velocidad pero sin perder nunca la cabeza ni el sentido de la melodía, en eso insisto una vez más creo que hayq ue atribujirle su buena parte de culpa a un vocalista con personalidad y aplomo que no se deja llevar solo por los gorogoritos y los juegos florales, un tema al estilo Gamma Ray, Iron Savior.

Brothers of the North es otro de esos temas donde combinan el power con el heavy melódico incluso con un toque épico en las voces, les queda muy apañado. Light Won't Shine recurre a sonidos más graves tanto en voces como en las guitarras, el efecto es bueno y contrasta con temas más melódicos reforzando la sensación de potencia del disco.

As I Burn es power a tope, con velocidad en las guitarras, los solos son buena prueba de ello y las voces subiendo agudos también. Drawn in Blood es lo más cercano a una balada que vas a encontrar en el disco, no es exactamente así pero tiene sus momentos más pausados y acarmelados. Por último, Masters We Were un tema en el que me quedo con los destellos interesantes de las guitarras, siguiendo un sonido futurista y con un cierto ambiente prog a lo Pagan’s Mind. Sin duda, a nivel europeo esta gente es capaz de ofrecer un power de calidad, potente y sin bañarlo o rebozarlo en azúcar como hacen otras bandas de perfil más comercial.

Feeling: 3,5/5

Originalidad: 3/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 7,75/10

Chrome Eternal (by West of Hell)

MANSION – First Death Of The Lutheran (2018)

1.Wretched Hope 7:06

2.Lutheran 7:15

3.The Eternal 7:15

4.1933 8:39

5.First Death 12:45

Alma - Vocals

Osmo - Vocals

Atami - Drums

Veikko-Tapio - Guitar

Jaakob - Guitar

Immanuel - Bass

Matti-Juhani - Organ

Mikael - Lyrics

With:

Albert - Vocals on “The Eternal”

Antti-Mikael - Percussion

Toivo - Saxophone

Kimmo - Violin, Trumpet

Ivan - Hurdy Gurdy

Alma, Osmo and Tuulia - Choir on “1933”

Desde Finlandia nos llega el primer disco de esta banda de cult doom, aunque previamente ya habían publicado tres eps. Era un disco esperado puesto que sus anteriores trabajos resultaban muy interesantes.

Temas largos los que construye esta gente, pero siempre con una carga atmosférica muy interesante y un punto de herejía, de misticismo y mucho de oscuridad en sus canciones. El inicio del disco con Wretched Hope es realmente inspirado, un tema que arranca de manera muy lenta y ambiental, pero que se va calentando con el paso de los minutos hasta que estalla por los aires con un solo estratosférico, muy a lo Black Sabbath, y el final con múltiples voces. La voz cantante la lleva Alma en este tema, pero está bien arropada por una pléyade de compañeros, como podéis ver hay mucha gente metida en este proyecto.

Lutheran tiene un inicio entre ambiental y progresivo por la cantidad de sonidos, voces e instrumentos que meten en esta pista. Voces distorsionadas, ambiente opresivo, es un tema muy básico en cuanto qa estructura, pero también muy bizarro y consiguen el efecto que persiguen de crear esa ambientación opresiva que además tiene que ver con la temática del disco.

The Eternal es continuista con la dinámica del tema anterior pero cuenta con la voz masculina que toma el protagonismo, los teclados también juegan un papel importante en el entramado de esta canción, tema pausado y de cult doom por los cuatro costados.

1933 se inicia con instrumentos de viento y la percusión juega un papel importante imprimiendo un ritmo de tensión al tema junto con el bajo, un tema largo que pasa por distintas fases, unas más pausadas que otros pero en línea creciente, sigue una estructura similar al tema que abría el disco, con las voces corales actuando de nuevo como catalizador de las emociones.

Final con First Death, un tema con un rollo muy cinemático, sonidos entre esotéricos y ambientales y la voz de encantadora de serpientes de Alma que es capaz de trasladarte a otras dimensiones. Vuelven a hacer su aparición los riff doom cargados de distorsión, una vertiente que la banda conjuga de manera genial con las ambientaciones que son la base de su sonido.

Buen disco de estos finlandeses, destaco sobre todo lo entretenido que resulta, a diferencia de lo que ocurre con otros grupos no es necesario ser un fan del estilo para disfrutar de sus composiciones, haciendo la comparativa diría que ocurre algo parecido a lo que pasa con el new age, son capaces de meterte en su ambiente y hacerte pasar un buen reto aunque nunca hayas escuchado un album doom en toda tu vida metalera.

Feeling: 4/5

Originalidad: 4/5

Técnica: 3,5/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8/10

LAST UNION – Twelve (2018)

1.Most Beautiful Day 4:15

2.President Evil 4:11

3.Hardest Way 3:43

4.Purple Angels 3:41

5.The Best Of Magic 3:46

6.Taken - Radio Edit 3:42

7.18 Euphoria 3:12

8.A Place in Heaven 5:22

9.Ghostwriter 2:39

10.Limousine 2:43

11.Back in the Shadow 5:23

Elisa Scarpeccio - Vocals

Cristiano Tiberi - Guitars

Mike LePond – Bass

Uli Kusch – Drums

Feat. James LaBrie on vocals

Aquí tenemos uno de esos proyectos que sólo por los nombres que figuran en su plantilla ya venden discos. Tenemos al bajista de los Symphony X, al exbatera de los Masterplan y Helloween y para los fanáticos de Dream Theater al señor Labrie colaborando en el micro, lo dicho, no hacen falta presentaciones, salvo quizás para el guitarrista y alma mater detrás de este proyecto que debuta con este disco.

El disco es el resultado de dos años y medio de trabajo y aunque no se puede hablar de un disco conceptual como tal sí que guarda una línea argumental común en todos los temas que tiene que ver con el alma humana y los valores que rigen la sociedad, etc. En la producción han contado con el reconocido Jens Bogren, que ha trabajado con bandas importantes como Arch Enemy, Symphony X, Devin Townsend, Opeth, pot citar algunas. Así que, antes de ponerse los cascos, todo apunta a que estamos ante un disco de esos que se disfrutan y tienen éxito a nivel comercial, veamos sí es así. En ese sentido la colaboración de LaBrie es el toque definitivo para un proyecto que quiera dar el bombazo y al parecer el famoso cantante estuvo considerando durante bastantes meses si participar o no en el proyecto como invitado.

Inicio del disco con Most Beautiful Day, entre el rock y el metal melódico. La voz de Elisa Scarpeccio recuerda a la de otras divas del metal melódico o gótico, una sonoridad muy al uso. Me quedo con el buen punteo melódico, con Tiberi demostrando su buen gusto. Arreglos comerciales muy típicos en las voces y un tema en plan hit que no me sorprende ni me atrae.

Llegamos a President Evil donde por fin se satisface nuestra ciriosidad por escuchar a LaBrie en una banda tan melódica como esta. Un tema que sigue el estilo rockero melódico, recuerda a los TNT. De nuevo, me vuelvo a quedar con el punteo como lo mejor de la canción, realmente tiene clase este guitarrista. De LaBrie pues considerando que es capaz de hacer lo que guste me esperaba una tonalidad menos melódica o comerial, pero se adapta a lo que le ponen por delante. Como en el tema anterior, me parece que el tema vuelve a abusar de los arreglos y me acaba resultando cargante.

Hardest Way levanta un poco el pie del acelerador, es una balada melódica, de nuevo siguen sin sorprenderme, es lo que te esperas después de escuchar el inicio del disco, u grupo que apuesta por un sonido blandito y muy, muy melódico, siempre buscando el sonido hit. Purple Angels sigue apostando por las melodías y los agudos de la vocalista, o te gusta o te acabará rayando a tope. El punteo le pone una nota progresiva al tema, aunque se hace breve.

The Best Of Magic es otra balada con voz angelical en este caso, pocos decibelios y mucho de melodía, con buen punteo en onda aor a cargo de Tiberi, sin duda lo mejor del disco. Taken es otro de los temas donde canta LaBrie, con un muy buen riff de inicio seguido de punteo melódico, el comienzo de esta canción es de lo mejor del disco y el tono rockero más aguerrido que le mete el gran vocalista mejora con creces lo escuchado hasta ahora.

18 Euphoria nos vuelve a traer a primera plana la voz constantemente aguda de la cantante, un tema bastante linea solo roto por el punteo y la pausa posterior para volver a arrancar. A Place in Heaven es otro de los temas que cuenta con LaBrie y no creo que sea casualidad pero los temas que se canta el vocalista de los DT son claramente más rockeros y cañeros que aquellos donde él no aparece, menos comerciales y más equilibrados, lástima que el disco no se mantenga a este nivel de principio a fin.

A partir de aquí ya solo tenemos a Elisa en las voces, Ghostwriter y Limousine son dos temas breves que no llegan a los tres minutos, el primero tiene uno de los riffs más poderosos del disco pero la voz excisavamente aguda de la vocalista no acaba de redondear la jugada, una pena porque a nivel de guitarras es el mejor tema del disco y de largo y el tiempo también es vibrante. Limousine es un tema mucho más suave y melódico que nos retrotrae al inicio del disco, demasiado visto. Final con Back in the Shadow con las mismas carencias apuntadas hasta ahora, una voz que carece de personalidad y le quita garra a los temas, excesivamente comercial su ejecución en el micro, a veces parece que va en un plano completamente diferente con el resto del grupo. Seamos sinceros, si este disco se lo hubiese cantado de principio a fin el señor LaBrie seguramente estaríamos hablando de otra cosa, pero esto es lo que hay. Lo que, oye, no es óbice para reconocer la buena labor a la batería y especialmente en la guitarra, muy bueno el trabajo del señor Cristiano Tiberi. Resumen, disco especialmente diseñado para los que busquen un sonido muy comercial entre el rock melódico y el gótico.

Feeling: 2,5/5

Originalidad: 2/5

Técnica: 4/5

Producción: 3,5/5

Puntuación: 6/10

Gods of wrath (by Metal Church)

DAWN OF WINTER – Pray For Doom (2018)

1.A Dream Within a Dream 7:08

2.The Thirteenth of November 6:06

3.Woodstock Child 4:29

4.The Sweet Taste of Ruin 6:29

5.Pray for Doom 6:36

6.The Orchestra Bizarre 4:21

7.Paralysed by Sleep 6:19

8.Father Winter 10:27

Jörg M. Knittel - Guitars

Dennis Schediwy - Drums

Joachim Schmalzried - Drums

Gerrit P. Mutz - Vocals

Dawn Of Winter es una banda de doom alemana, de esas de doom de toda la vida, algunos reniegan de ponerse una etiqueta, otros defienden que llevan un montón de etiquetas encima. Pues bien, estos alemanes no tienen complejos en declarar a los cuatro vientos que ellos hacen doom y solo doom.

Fieles a su cita, cada diez años sacan un disco. El primero salió en 1998, así que este es el tercero. Y en cuanto empiezan a sonar los primeros acordes del disco con A Dream Within a Dream te das cuenta de que efectivamente están metidos dentro del doom hasta el cuello, pero un doom con su sonido true heavy o incluso epic, a pesar de ser de sonidos densos y pausados. Un punto en favor de esta orientación es que cuentan en el micro con el actual cantante de los griegos Battleroar, y eso se nota en el sonido del grupo, o es que es fijación mía quizás, pero le da un rollito epic a los temas que personalmente me gusta y creo que añade valor a sus canciones. Y es que el señor Mutz es ya un tipo con muchas batallas a sus espaldas y sabe lo que se hace.

The Thirteenth of November parece el mismo tema por el ritmo que lleva, apenas alteración respecto al tema anterior. Muzt adueñándose del tema y momento estelar para la entrada de la guitarra solista con Knittel poniéndole la nota melódica la tema, luego los riffs siguen cayendo sobre tus costillas con todas las de la ley.

Ahora sí con Woodstock Child nos encontramos con un ritmo claramente diferente, no diré acelerado pero si con un marchamo bélico que le da ese punto de mayor agresividad. Punteo distorsionado y estribillo que se repite para acabar ralentizando el tema hasta dejarlo morir.

The Sweet Taste of Ruin vuelve a la tendencia general del disco de doom pausado, de riffs pesados y sonido true. No me cabe duda de que esta es una banda que como ellos discen apuesta por el doom sin complejos, aunque tiene su punto heavy o true metalero lo cierto es que la espesura de los temas puede desesperar un poco a aquellos que no sean habituales del género.

Sabio movimiento con Pray for Doom con unas acústicas muy emotivas desde el inicio secundadas por la voz. Una bonita balada, que combina las partes más melódicas con otras más oscuras y tenebrosas, sin duda se mueven muy bien en estas tesituras. Y cómo una banda que recuerda a los buenos momentos de los Candlemass, unos Saint Vitus, o cuando se ponen un poco más heavys a los Solitude Aeternus. El punteo distorsionado con las voces delirantes le pone el toque sicodélico a uno de los mejores temas del disco.

The Orchestra Bizarre es otra canción donde pisan un poco más el acelerador con respecto a la media del disco, un heavy doom de riffs a la antigua usanza, de ritmo constante y punteo con mucho efecto. Paralysed by Sleep es casi lo mismo pero a un ritmo todavía más pausado. El punto final lo ponen con un tema de más de diez minutos, Father Winter se caracteriza sobre todo por el doom epic a ratos, el doom de riffs sicodélicos y en círculo y una parte final tirando de melodías entre lúgubres, un título muy apropiado el que le han puesto a esta canción, con un camino ya escrito que llega a su fin, reflejando en el largo solo las emociones que van desgranando a lo largo de todo el disco, final grande como el ocaso. Un doom clásico, con cero experimentos, con un toque true, pero sin adornos ni florituras, sincero y sin buscar nada que no sea el doom metal de toda la vida, quizás no sea la banda más recomendable para los que son profanos en este género pero sí para los que lo disfrutan desde hace tiempo.

Feeling: 4/5

Originalidad: 3/5

Técnica: 3/5

Producción: 3,5/5

Puntuación: 7,75/10

Across the universe (by Scanner)

FALL – The Dreamer Of Tragedy (2018)

1.Ascend 5:27

2.Defender 6:18

3.Heir to Silence 6:00

4.Longing Spirits 8:04

Jessie Santos - Rhythm/lead guitar, vocals

David Gutierrez -Bass

Daniel Benavides - Rhythm/lead guitar

Lorenzo Perez - Drums

Fall es una banda americana, formada en 2010 en Texas, presentan este The Dreamer of Tragedy, un ep de cuatro temas que ha involucrado a toda la banda en su composición. Respecto a sus orígenes, que se reflejan en su primer disco del 2016, este ep es menos agresivo, más orientado hacia el lado melódico y personal, dicen, de su música. Estos temas se comenzaron a grabar a finales del año pasado pero no estuvieron listos hasta febrero de este año, he aquí el resultado.

Ascend se desarrolla a intervalos melódicos de voces limpias, por momentos incluso de estilo gótico, y otros con predominio de guturales y distorsión, una fórmula por otra parte nada novedosa y a la que recurren cientos de banda hoy en día. La parte realmente meritoria del tema es la pausa para introducir un solo melódico elaborado, con buena técnica y feeling.

Defender se pone en marcha a golpe de bajo, un medio tiempo de voces corales, melodías entre ambientales y góticas, un tema en el que predominan los pasajes ambientales bien tejidos por las guitarras, el tratamiento de las voces ya no me convence tanto, eso de meter las guturales como recurso para revolucionar el tema es algo ya demasiado visto y que personalmente me aburre sobremanera.

Heir to Silence es el tema más ambiental y pausado de todos los vistos hasta ahora, y es en esa tesitura donde mejor se desempañan, en cambio cuando se meten por la vereda del groove y el death comercialote con distorsión suenan una vez más a cromo repetido. A partir de mitad de canción mejora la cosa gracias a la buena labor de base rítmica y de guitarra que le meten un rollo progresivo al tema.

Ocho minutos de canción nos esperan en onging Spirits, reúne un poco todo lo ya comentado, las partes lentas, el groove con guturales que te venden en el mercadillo de la esquina... Una vez más me vuelven a dejar con la sensación de que se autolimitan, las partes experimentales están muy bien, pero las cuñas de death del montón que meten para llegar a más gente hacen que se diluya el efecto global del disco y lo que podría ser una muy buena pieza se queda sólo en un pasable. Tienen más cera para dar algo más personal y menos estandarizado en próximas entregas.

ANCESTOR – Lords Of Destiny (2018)

1.Rise by Sin 02:55

2.Deathlike Silence 04:28

3.Bloody Repression 04:05

4.The Final Worship 05:18

5.Black Future 03:54

6.Tormentor 03:38

7.Pain and Hate 04:06

8.Savage Action 03:38

9.Inner Struggle 04:28

Li Meng - Vocals/Guitars

Yang Fuwen - Guitars

He Yang - Drums

Li Han - Bass

Primer disco completo de esta banda de Beijing tras su ep de 2017, al parecer están en activo desde 2007. El primer tema es instrumental y después de unas acústicas meten batería y un ritmo endiablado con alternancia de riffs, una especie de calentamiento, que está bien para empezar aunque quizás con las escuchas se pueda hacer un poco cansino.

Lo serio empieza con Deathlike Silence, ya en la intro daban una pista de por donde iría sus temas y se confirma, muy subidos de tiempo y con riffs crudos, la voz acompaña el cuadro general con un estilo grave y cortante, por cierto que cantan en inglés lo cual habla de la vocación internacional de la banda, algo poco habitual en el mercado metalero chino que en esto de la música suele ser bastante cerrado, a diferencia de países de su entorno como India o Japón.

Bloody Repression tira de los riffs clásicos, y no especialmente técnicos, el ritmo intenso como siempre y que es lo que más energía le mete a los temas. El punteo veloz y sucio encaja bien en el sonido, un estilo a lo Sodom, Possessed. The Final Worship nos deja el primer apunte melódico del disco en forma de riff y les acerca más al legado de los Kreator, además de que ralentizan el ritmo respecto a los anteriores.

Black Future vuelve a los ritmos a tope y la crudeza del thrash alemán después del paréntesis melódico del anterior corte. Tormentor tiene uno de los mejores arranques del disco gracias a varios riffs sucesivos con un mayor detalle técnico, luego sigue la misma tendencia que los temas anteriores, thrash veloz, la ejecución es correcta pero a medida que pasan los temas el conformismo en la composición y las referencias al pasado se hacen más que evidentes, aún así es disfrutable por cualquier thrasher de la vieja escuela.

Pain and Hate destaca por su toque más ambiental, trabajan un poco más esa faceta a costa de aflojar un poco en la velocidad, y ciertamente el tema sale ganando. Savage Action tiene como mayor punto de interés las alternancias en los riffs y las cabalgadas que consiguen a base de guitarra y bajo, de esas que se agradecen en directo para hacer un poco de ejericicio. Por último Inner Struggle pone un punto de locura al disco con un solo desquiciado seguido de ritmos a cañón.

Thrash de la vieja escuela, no especialmente notable a nivel compositivo, pero correcto en cuanto a ejecución y sobre todo a nivel de crudeza de sonido, aunque su punto más débil es la ausencia de un sonido propio, algo que en el subgénero del thrash está más que caro. Pero oye, para venir de China, un país con escasa tradición en estos temas por motivos históricos, sociales y culturales obvios, pues es más de lo que esperaba.

Feeling: 3/5

Originalidad: 1,5/5

Técnica: 3/5

Producción: 3,5/5

Puntuación: 6/10

A perfect day to die (by Onslaught)

PROLIFERHATE – Demigod Of Perfection (2018)

1.Prologue To Damnation

2.Conjuring The Black Hound

3.Auerbach's Vineyard

4.The Frailty Of A Tender Soul

5.Oberon

6.Naked Monstrosity

7.A Shadow From An Ancient Past

8.Euphorion

9.Demigod Of Perfection

10.Elegant In Decay

Andrea Simioni – bass

Daniele Varlonga - drums

Omar Durante - vocals, guitars (lead)

Lorenzo Moffa - guitars (rhythm)

Segundo disco de esta banda italiana formada en 2012 y que se mueve en una onda de death progresivo. El primer corte es meramente introductorio pero llama la atención por sus acústicas desarrollando una melodía que parece sacada de los años de 30 o 40, de la era de los cabaret y la ley seca. Es con Conjuring The Black Hound donde la cosa se pone seria, un death de voz bastante gorrina, la verdad sea dicha, pero intercalando pasajes acústicos en medio de la distorsión, con unas tonalidades muy progresivas en esos interludios. Los pasajes death tienen fuerza, buenas guitarras y también hacen acto de presencia las voces limpias, al estilo sueco, ahí siguen una línea muy convencional.

Auerbach's Vineyard tiene un inicio death progresivo creciendo en intensidad y conjungando la distorsión con el guitarreo melódico, es un tema más agresivo que el anterior. The Frailty Of A Tender Soul ya plantea desde un inicio unas raíces más melódicas y alternativas gracias a las guitarras limpias y al ritmo cambiante de batería, la entrada de la distorisón se hace esperar, pero es un tema de marcado carácter progresivo en el que saben construir buenas melodías en la línea de unos Opeth, EOS o In Mourning.

Oberon en cambio se orienta más hacia las melodías folclóricas de unos Orphaned Land, un tema con claro predominio de los medios tiempos y en el que las melodías se adueñan de la canción, aunque hay algún arreón de por medio que le sienta bien para equilibrar un poco la cosa. Naked Monstrosity es un tema que se puede clasificar como death melódico a lo Amon Amarth, no está mal pero creo que pierden puntos en cuanto a frescura, aunque fieles a la etiqueta de progresivos no pueden evitar meter una transición ambiental.

A Shadow From An Ancient Past es un tema de flok death se podría decir, la voz más engolada, los tiempos más pausados y el groove potenciando el tema. Me atrapa el comienzo atmosférico de Euphorion, es la parte más interesante de la canción, aunque hay que tener en cuenta los punteos melódicos y las partes de deathcore que meten de manera puntual, sin duda uno de los temas con más variaciones y tocando palos de diferentes estilos. También un punto a su favor es que saben recrearse en las pausas, tomándose su tiempo, sin prisas y con buena ejecución en las guitarras.

Demigod Of Perfection es uno de los temas más largos del disco y destaca por su orientación de blackned death con melodía, buena ambientación la que consiguen en este tema, sólido y con buen aporte técnico. Fin del camino con Elegant In Decay, otro tema donde sacan las influencias de los Edge of Sanity junto con las melodías y la potencia de unos Into Eternity. Estamos ante un disco muy bien ejecutado, con buena técnica y buena composición , auqnue la originalidad no es el punto fuerte del mismo sí que se hace divertido de escuchar.

Feeling: 3,5/5

Originalidad: 2,5/5

Técnica: 3,5/5

Producción: 4/5

Puntuación: 7,5/10

SPLENDIDULA – Post Mortem (2018)

1.Post

2.Nami

3.Too Close To Me

4.38

5.Insanity

6.Aturienoto

7.Stream Of Consciousness

8.Mortem

Kristien Cools - vocals

Pieter Houben - guitar & vocals

David Vandegoor - guitar

Peter Chromiak - bass

Joachim Taminau - drums

Los Splendidula, telita con el nombre, son una banda belga formada en 2008 que hasta cinco años después no sacarían su primer disco y que este año lanzan el segundo, con diversos cambios de formación de por medio. El disco sale a la luz a través de Inverse Records en el mes de diciembre.

Tenemos el primer tema Post que marca el inicio del disco a modo de intro ambiental. Nami se caracteriza por momentos ambientales, otros de distorisión que se acercan al heavy. La voz femenina juega un papel importante en la ambientación del tema, en muchos tramos de la canción no hay letra simplemente es el desarrollo sonoro a modo tribal. También tenemos el enfoque post metal y doom que completan el escenario de este primer tema.

Too Close To Me es un sludge doom, con buenas vibraciones en las guitarras, las variaciones vocales antes mencionadas y en este caso un trabajo de guitarra solista más destacado, lo que le da mayor variación al tema, en todo caso vuelven a conseguir un efecto notable en cuanto a ambientación se refiere.

38 tiene una vocación doom, es más oscuro, más opresivo y el sludge está más presente que en temas anteriores. Vuelven a usar con acierto el doble juego de voces, no es el típico de voz aguda y grave, aquí tiene mayor transcendencia y elaboración y sin duda es uno de los puntales de su sonido en cuanto a sensaciones se refiere.

Insanity es un tema con continuas alternancias en el ritmo, mayormente lento pero con paradas y arrancadas constantes que le otorgan esa sensación de espesura y distorsión de la realidad propia del doom. Pero en la segunda parte del tema arrementen con riffs heavys que revolucionan el tema mientras la vocalista sigue en sus registros atmosféricos habituales. El final increscendo entre punteo y voces agudas es de los mejores momentos del disco.

Aturienoto tiene un inicio mesiánico a base de voces y bajo que se prolonga durante varios minutos. Se trata de un medio tiempo donde reflejan otra vez esa habilidad para mezclar la temática post metal con el heavy de las guitarras, de todas formas es uno de los temas más predecibles del disco. Stream Of Consciousness arranca con unos sonidos entre la sicodelia y el space rock para dejar paso luego al sludge típico de la banda. A destacar en este tema sobre todo los pasajes melódicos de guitarra que rompen un poco la sensación de apalanque que va dejando el disco tema tras tema. Morten pone a modo de outro con voz, melodía y melancolía el final a un disco que por medio nos deja muy buenos momentos, creo que es en eso donde más destacan. El disco en su conjunto quizás adolece de un poco de chispa, que no de calidad, pero hay momentos dentro de cada tema que resultan realmente brillantes, lo difícil claro es mantener ese nivel sin dejar que el disco decaiga en ningún momento, algo que consiguen en buen porcentaje del mismo. Mérito especial para la vocalista que le da el punteo de frescura y personalidad a su música.

Feeling: 3,5/5

Originalidad: 2,5/5

Técnica: 3/5

Producción: 3,5/5

Puntuación: 7/10

Run (by Temtris)

C AVERAGE – III (2018)

1.Dark Matters

2.In Trutina

3.The Weirding Way

4.Phanta

5.The Once and Future Thing

6.Drifting

Jon Merithew – Guitars

Olivia Love – Vocals

Brad Balsley – Drums

John Boyce - Bass

Esta banda surgió en 1996 y por tanto llevan más de dos décadas en activo en teoría, elaborando un rock rico en matices y pasajes instrumentales que tiran del legado de los 70 pero también se adentran en terrenos futuristas que se pueden relacionar con la ciencia ficción. Eso sí, a pesar de llevar tanto tiempo en activo este es solo su tercer album y es que este es el primer disco que sacan en nada menos que 17 años. Han actuado junto a bandas bien conocidas como The Who, Pearl Jam, The Sword y Red Fang.

Sonidos de space rock abren el tema Dark Matters y seguidamente ritmos tribales y potentes riffs de guitarra. A partir de ahí van desgranando diferentes ritmos, que se mueven entre el retro rock y el roock progresivo, con vocalista femenina al frente que también ahonda en ese sonido revival. A destacar tanto la buena dirección de la base rítmica como el encaje espectacular que tienen las guitarras en todo momento, suenan potentes cuando lo tienen que hacer y suenan más experimentales cuando el tema se sale de las rutas habituales.

In Trutina es un tema de rock a la antigua usanza que tarda bastante tiempo en arrancar, pero cuando lo hace es con un arpegio de esos que te dejan pegados a la silla, un ritmo entre jazzístico y de rock clásico. Para rizar el rizo la voz se tiñe de un tono operístico que lleva el tema a un cruce entre unos Boston y una rock opera a lo Queen, riffs de todos los colores y esquemas que se escapan a cualquier catalogación, el progresivo por bandera, con la nota a pie de página de que lo hacen atractivo y fácil de escuchar a poco que uno disfrute de la buena música.

The Weirding Way es un tema instrumental donde se permiten todo tipo de licencias, siempre con la calidad que les caracteriza, desde el rock potente, pasando por el rock clásico y el rock progresivo e incluso en momentos determinados metiéndose en el terreno del metal pero sin abandonar nunca la esencia rockera de su música, un estilo a lo Joe Stump, Hendrix, por ejemplo.

Phanta le da un toque de actualidad a su música metiéndose en el terreno del groove y del rock alternativo en algunos momentos, también con rasgos sicodélicos sobre todo en la voz y en el efecto de las guitarras. The Once and Future Thing es otro tema donde se dedican a sacar toda la imaginación que llevan dentro de sí a nivel instrumental, con preminencia y protagonismo estelar para la guitarra, el tipo tema en que basta cerrar los ojos y dejarse llevar por el buen gusto de esta gente, eso sí, no creais que sólo se dedican a dar brillo a sus instrumentos, hay momentos donde fuerzan la máquina y eso es lo que le da un aliciente a los temas de esta gente sin que en ningún momento te hagan caer en el sopor, ahí hay que reconocerle el mérito a su batera.

Final del disco con Drifting, un tema de nueve minutos que nos conecta con la ciencia ficción y los sonidos futuristas, en ese sentido es uno de los temas más atmosféricos del disco, pero como siempre no faltan los sonidos de rock clásico, un aspecto que la banda borda de principio a fin, con punteo de esos que te hacen ponerte en pie, clásico a mñas no poder.

En resumidas cuentas, esta banda sabe hacer muy bien las cosas, no solo poseen la suficiente calidad técnica para abordar temas complejos como los que presentan en este nuevo disco sino que además tienen el acierto de hacerlos disfrutables y fáciles de seguir, posiblemente lo más difícil de lograr en el mundo de la música. Disco de obligada escucha para todos los amantes del progresivo y el rock.

Feeling: 4/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8/10

SPINBALL – Shadows (2018)

1.The Dirge 04:35

2.How Do You Feel? 04:10

3.All Our Hope And Love 04:47

4.Shadows 04:53

5.I Feel Free 08:18

6.Forever I Will Wait 05:17

7.Absence 03:35

8.Time To Go 06:26

Nikos Karatzidis - vocals

Panagiotis Tsevrenis - guitar

Giannis Vrettakos - bass

Konstantinos Mavrantzas - keys

Pantelis Chandris - drums

Tercer disco de esta banda griega de rock alternativo. Lo inician con The Dirge, un tema que tira de sonido con mucho buzz, efecto y ambientación, especialmente en la ralentización con la que acaban el tema. How Do You Feel? sigue el mismo patrón, riffs gruesos con mucho efecto y voz típica del rock alternativo, con los efectos habituales y las alternancias entre agudos y connotaciones ambientales, precisamente es en ese punto donde más interesantes me parecen, produciendo sonidos ambientales que le dan el toque de frescura al tema, nada nuevo bajo el sol pero resulta divertido.

All Our Hope And Love lleva una esencia más rockera con influencias punk y setenteras sicodélicas, con una base rítmica de lo más simple. Shadows es una pieza a medio ritma de estribillo repetitivo, groove a tope y un tanto cansina en su melodía.

I Feel Free explora de principio el lado más ambiental de la banda, claramente el más interesante. Luego imponen un ritmo de rock alternativo alegre y ligerito, sin excesivas complicaciones, de nuevo la pausa le da el punto ambiental al tema y le sube la calidad en cuanto a elaboración con un punteo efectista a lo The Cult, de los pocos que podemos encontrar a lo largo del trabajo, bastante logrado.

Forever I Will Wait es un canción de rock alternativo, con su parte más oscura con la atmósfera que crean los sintetizadores y por otro lado el punteo que le pone la nota melancólica y que de nuevo salva el tema de caer en la simpleza y en cambio le da equilibrio y compensa la parte alternativa que sobre todo llevaban al principio y que era demasiada predecible.

Absence se puede deifnir como una pieza de rock sicodélico a lo Doors, con los teclados llevando la manija de un tema instrumental de esos que se escuchan bien la primera vez pero que luego van perdiendo un poco su atractivo, sobre todo porque no tienen mucho que ver con el engranaje del disco, es más un desbarre instrumental que otra cosa. La última canción es Time To Go, un tema que hasta mitad es muy lenta y acústica, pero que despierta de repente con un punteo de guitarra muy efectivo y que es como un puro lamento, sin duda esos contrastes en el sonido de la banda son las que le dan su mayor atractivo a este disco, buceando siempre entre el rock alternativo y el más ambiental o progresivo, un disco que va de menos a más.

https://spinball1.bandcamp.com/releases disco completo

Feeling: 3/5

Originalidad: 2,5/5

Técnica: 3/5

Producción: 3/5

Puntuación: 6,5/10

Mad Butcher (by Destruction)

SODOM – Partisan (2018)

1.Partisan

2.Conflagration

3.Tired & Red (Live at the Rock Hard Festival 2018)

Tom Angelripper – bass, vocals

Frank Blackfire – guitars

Yorck Segatz – guitars

Husky – drums

Tom sigue muy activo, ahora con su grupo de toda la vida, pero ya os hemos comentado en lo que va de año proyectos alternativos que van más en onda rock y folk típico alemán y que en su tierra le funcionan bien aunque aquí aburra a las ovejas, es el folclore de cada país y como tal hay que entenderlo. Lo que traspasa fronteras es su banda de toda la vida, aunque con caras nuevas en la formación, pero Sodom es una de esas bandas envejecidas en barrica que nunca o casi nunca decepciona.

Este mini ep es un pequeño aperitivo para el nuevo material que están preparando de cara a su próximo disco. Además están preparando una extensa gira jutno a los Exodus, Death Angel y Suicidal Angels que empezará a finales de noviembre.

Tom ha manifestado estar muy contento con los cambios en la formación acaecidos en la primavera de este año, así que es de esperar que eso se traduzca en un disco potente de la banda. Y como muestra un botón, o sea este ep. Tenemos el tema Partisan con un riff consistente que marca la estructura del tema y sobre el que Tom saca su voz rota característica, ritmo básico y potente con mucho recurso de caja, me gusta sobre todo la crudeza que desprende el tema y que recuerda a tiempos antiguos de la banda. También enriquecen el tema con cambios de ritmo y pasajes de transición, sinceramente se nota la presencia de Frank en la guitarra y la herencia de los magníficos Agent Orange y Persecution Mania. Creo que los viejos fans de la banda estarán relamiéndose con la dirección que apunta este tema. Redondean el tema con un toque ambiental que le queda realmente bien a esta canción, atractiva y de esas que animan a escucharla en sucesivas ocasiones. El punteo es muy acertado, en consonancia con la ambientación del tema.

Conflagration nos dibuja un escenario apocalíptico como su nombre indica y también hace gala del sonido más clásico de la banda, así que siguen las buenas noticias. Diría que es un tema más agresivo que el anterior pero sin perder la esencia del thrash oscuro tan característico de la banda y que para mi siempre les ha dado ese toque de orginalidad que los hace diferentes a la media. Y vuelvo a destacar una vez más el sonido, recoge el testigo de la crudeza y naturalidad habitual de los Sodom, muy alejado del sonido pulido que es dominante hoy en día, otro plus para ellos.

Por último nos ofrecen una actuación en directo que se grabó durante el Rock Hard Festival de este año, en mayo para ser más exactos, del clásico de la banda Tired & Red, de su album posiblemente más laureado, el Agent Orange, al parecer toda una declaración de intenciones de por donde pretenden que vaya el sonido de la banda en el próximo disco y que encaja muy bien con los dos nuevos temas comentados anteriormente. Pues sí, parece que las palabras de Tom Angelripper hablando de lo feliz que se encuentra con el nuevo line-up no son el típico gesto de cara a la galería, algo que los fans de la banda de toda la vida creo que agradeceremos sinceramente, todo apunta a que la banda vuelve a estar en un momento dulce, por tanto expectación máxima de cara a su nuevo álbum que se supone que saldrá en algún momento del año que viene. Se confirman las buenas sensaciones que ya transmitía la portada.