viernes, 31 de mayo de 2019
MORTANIUS – Till Death Do Us Part (2019)
1. Facing the Truth 5:02
2. Disengage 10:00
3. Jaded 8:48
4. Till Death Do Us Part 17:53
5. Last Christmas 5:46
Lucas Flocco - vocals
Jesse Shaw - bass
Additional musicians:
Lead guitars: Ollie Bernstein
Rhythm guitars: AJ Larsen
Additional lead vocals: Leo Figaro (track 1), Jonas Heidgert (track 3)
Ya les iba tocando a estos americanos sacar su primer disco después de tres tres eps en años consecutivos, desde el 2014, se habían formado un año antes. El grupo lo conforman Lucas y Jesse pero se hacen acompañar por un ramillete de músicos, no sabemos si será de forma permanente o de momento sólo para la composición de este disco.
Facing the Truth es un tema de power, muy melódico, con muchos teclados, y especialmente llama la atención la voz bastante aguda y muy melódico de Lucas, el mayor atractivo en esta primera canción, tiene carisma y por ponerle un icono como espejo me recuerda a la de Tempest de los Europe, aunque en este caso mucho más orientada a este estilo power claro. Es un tema con unas connotaciones muy sinfónicas, la presencia de los teclados es mayoritaria, en cambio en las guitarras echo en falta más fuerza y más dinamismo.
Nos enfrentamos ahora a un tema muy largo, pero no el más largo del disco. Disengage tiene un inicio en formato balada pero con el cambio de ritmo se meten en un power de toques progresivos, que van alternando con pausas, es como si mezclases unos Stratovarius con unos Symphony X en las partes más cañeras. De nuevo mulitutud de arreglos de teclados pero me siguen pareciendo que las guitarras están francamente desaprovechadas, sobre todo en el apartado de los riffs. La producción tampoco potencia el sonido de las seis cuerdas lo que hace parezca más blando si cabe.
Jaded es un metal entre el power y el neoclásico, muchas líneas melódicas, doble bombo y un tema buscando esas base melódica tan típica de bandas power japonés, se podría decir que es el tipo de canción que pega mucho en esas tierras lejanas. A mitad de tema sin embargo se desmarcan con un despliegue instrumental neoclásico progresivo, suena un tanto extraño en comparación con el resto del tema. Lo mejor del tema es el final con una actitud más aguerrida en las guitarras y pisando el acelerador.
Y llegamos al momento decisivo del disco, la canción que da título al mismo y que dura casi 18 minutos, es decir, que te la juegas, porque si el tema resulta un tostón más de la mitad del disco habrá naufragado y byebye. Till Death Do Us Part tiene un arranque lento, ganando velocidad poco a poco y con un enfoque más sinfónico progresviso que sus precedentes. Es un tema elaborado con multitud de fases y requiebros, pero en lo que respecta a feeling como que le falta algo para que enganche totalmente, o mejor dicho, lo que le falta para ser un tema de esos que te recuerdas y que te den ganas de darle al play. De todas formas hay que reconocer el trabajo que tiene detrás, pero ya sabemos que eso en el mundo de la música no es suficiente para tenér éxito.
Por último nos ofrecen una versión bastante sorprendente, no por el trabajo en sí, suno por el tama que han elegido, el Last Christmas de los Wham, un superventas de hace un montón de años que poco o nada tiene que ver con lo que hace el grupo, además de eso hay que decir que le cambian el tiempo y le meten arreglos progresivos de forma que le dan un lavado de cara al tema, bueno, en ese sentido está bien y curiosamente es el tema donde las guitarras suenan más heavys y con más presencia, algo que he echado en falta a lo largo de todo el disco. Me quedo con la voz de Lucas como la parte más interesante del grupo, pero falta pegada y feeling en la composición, aunque veo posibilidades amplias de mejora y crecimiento a poco que se lo curren.
Feeling: 2,5/5
Originalidad: 3/5
Técnica: 3,5/5
Producción: 3/5
Puntuación: 6/10
EVA CAN'T – Febbraio (2019)
1.Februus 05:07
2.Vermiglia 05:24
3.Candele 04:59
4.Febbraio 04:19
5.Finale 04:43
Andrea Maurizzi -bass
Diego Molina - drums
Luigi Iacovitti - guitar
Simone Lanzoni – vocals, guitar
Tras cuatro discos por parte de este combo italiano formado en 2009 se deciden a sacar un ep que dicen haber grabado en directo en su región natal de Bolonia y en el transcurso de tres días, algo que ciertamente no se estila mucho en la era del empaquetado tecnológico. Tan curioso como el nombre y el logo de la banda. Una forma de diferenciarse? Sin duda, aunque vamos con lo musical que es ahí donde se la juegan.
Februus es un tema instrumental que empieza de forma muy pausada con unas delicadas melodías, cambio de ritmo y entra la distorsión aunque la acompañan también de melodías dando continuidad a los primeros compases del tema. Luego nueva ralentización y vuelven a intercalar melodías con guitarras más heavy melódicas.
Vermiglia tiene la sensibilidad de las bandas italianas, buenas melodías, la voz que hace un papel de trovador como si nos estuviese cantando un cuento, además el hecho de que la canten en italiano le de un toque de originalidad y liricismo especiales, con la distorsión le meten garra pero con la melodía le dan carisma.
Candele es un tema muy melódico, mayormente con acústicas, pero también con su parte más cañera aunque sin abandonar ese lado melódico, una especie de Opeth, los grandes desarrolladores del invento este de mezclar melodías y pasajes ambientales con death metal pausado. Un tema con una recreación ambiental muy atractiva.
Fresco inicio a base de timbales y voz en Febbraio seguido de un riff melódico de esos que sólo se puede describir como ganador. Un tema que se mueve entre el heavy melódico y el doom heavy, con guitarras realmente inspiradas. De nuevo la voz de Lanzoni cantando en italiano acompaña de manera perfecta el tema sin ser el protagonista principal, que en este caso son las melodías espectaculares que consiguen crear.
Finale completa este buen ep con unas guitarras heavys cargadas de melodías y con un enfoque de fondo death melódico que redondean unas guturales tan oportunas como letales. Como a lo largo de todo el ep cuidan el desarrollo de melodías y tiempos al máximo, no dan puntada sin hilo. Cinco temas sin desperdicio y una forma muy adictiva de adentrarse en el sonido de esta banda italiana si es que es todavía no los conoces.
jueves, 30 de mayo de 2019
ALMØST HUMAN – XS2XTC (2019)
1.
System Of Beliefs 06:05
2.
Warpigs 05:49
3.
Naked Now 04:46
4.
What Makes You So Hard 06:09
5.
Chemical Breakfast 03:08
6.
Divine Comedy 05:15
7.
BabyGlued 05:51
8.
Clowned 03:26
9.
Beloved Pet 06:43
10.
Promised Paradies 01:25
11.
In The Name(s) Of God(s) 06:39
12.
Fucktory Of Illusions 07:44
13.
From Womb 2 Tomb 00:55
14.
Welcome 2 Neverland 05:53
15.
Ghost Song 09:00
Olivier
Perdrizat – guitar
Rosario
Fullone – drums
Jan
Peyer – bass
Chris
Matthey – guitar
Ben
Pluss – vocals
Banda
suiza que formada por el guitarrista Olivier y que ha ido añadiendo
miembros a lo largo del tiempo, el último de ellos el vocalista,
hasta completar el lineup actual y sacar a la luz este disco que
supone su debut con un larga duración, aunque en el ya lejano 2012
editaron un ep.
De
principio parecen muchos temas, y la mayoría no son breves
precisamente, aunque hay dos que son como de transición, de todas
formas de principio me echa un poco para atrás estos discos tan
largos, pero ya veremos. System Of Beliefs es un metal con un cierto
aire progresivo en las guitarras, pero con una voces que tiran hacia
el groove, se mueve a un ritmo medio de principio a fin y el mayor
aliciente es el entramada de sonidos que consiguen con las guitarras,
bastante completo aunque en algunos momentos un tanto confuso.
Warpigs
es un groove metal más agresivo que bebe de las fuentes de los 90,
con aires alternativos, al estilo de badas como Pro-pain. Lo mejor la
potencia de guitarras, pero un tema que no sorprende en ningún
momento. En cambio Naked Now siguiendo con el mismo patrón sí que
incorpora elementos ambientales en los teclados que mejoran la
presentación general del tema.
Groove
a saco en What Makes You So Hard y arreglos sinfónicos que le dan un
enfoque más comercial, pero la voz siguen en los mismos registros
rasgados que apenas cambian de un tema a otro. También predominan
los medios tiempos. Chemical Breakfast arranca con un estilo más
psycho en las guitarras que se combinan con un toque espacial y en
este caso las voces son más gruñidos o acompañamientos que
acompañan de forma interesante en la canción más fresca hasta
ahora.
Divine
Comedy combina el groove con la parte más ambiental del grupo, tema
predominantemente lento, con una letanía que te envuelve y consigue
un efecto interesante. BabyGlued explora el lado más rockero de la
banda, con melodías y tiempos pausados, pero una vez más no se
pueden reprimir de meter el groove y el sonido más extremo, creando
una especie de híbrido a lo chili peppers que no me acaba de
convencer.
Clowned
juega con mucho con la electrónica y la mesa de sonido, mucha voz
enlatada y efecto pero poca cosa interesante que aportar, no deja
calado alguno. Beloved Pet es un rollo Rammstein, insistente ritmo y
estribillo que o acabas tarareando o acabas odiendo sin remedio. In
The Name(s) Of God(s) te vuelve a dejar con esa sensación de que son
un poco como la bella y la bestia, muy normalitos cuando ejecutan un
groove metal clonado pero mucho más cautivadores cuando sacan la
parte atmosférica de su música que realmente le da otra dimensión
al tema, una pena que no apuesten con más constancia por esa faceta.
Fucktory
Of Illusions es un rock groove, comercial y bastante típico.
Welcome 2 Neverland es un tema de guitarras pesadas, pero las voces
de nuevo les restan frescura, la apuesta instrumental está bastante
lograda en este caso, buenos arreglos que añaden matices al tema.
Por último, Ghost Song es un tema extralargo pero que funciona a
modo de pista con sonidos esotéricos y con algún mensaje escondido
porque aparte de unos sonidos como de cuenco tibetano no se escucha
otra cosa, vaya que si la aguantas los 9 minutos que dura serás un
héroe pero no creo que repitas. Un disco con altos y bajos, y un
grupo que apunta a que puede hacer cosas más grandes si salen un
poco de los típicos clichés.
Feeling:
3/5
Originalidad:
2,5/5
Técnica:
3,5/5
Producción:
4/5
Puntuación:
6/10
DOCTOR SAX – Ellis (2019)
1. Sille
2. Llise
Cara A: Sille
Doctor Sax: Voz & guitarra
Guille: Percusión
Imanol Mtz. Hervias: Viola
David Sagastume: Chelo & palmas a tientas
Koldo Sagastume: Palmas a tientas
Cara B: Llise
Doctor Sax: Voces, guitarra & pandereta suicida
David Sagastume & Koldo Sagastume: Coros daltónicos
Doctor Sax, también el cantante de la banda stoner Arenna, vuelve con este ep. En anteriores trabajos como 'Mantras Of The Rainy Night' (2012), 'Vol. II' (2014) y 'Vol. III' (2016) sus títulos rendían homenaje a escritores. Ellis, su nuevo trabajo y el primero en formato EP, marca un punto de inflexión en la carrera de Doctor Sax, un disco intimista y repleto matices e instrumentos. Esta grabación sale a través de Spinda Records el 11 de febrero.
Solo son dos temas los que nos ofrece este ep, pero como todos sabemos la calidad es más importante que la calidad, o al menos suele ser así. Y calidad tenemos y por arrobas, eso y una gran sensibilidad musical. Sille es un tema que se mueve entre el rock experimental y el folk pero con las dimensiones más profundas que abren instrumentos como la viola que se integran de forma perfecta en el entramado musical y que le dan un sabor de música étnica por momentos. Además, el estribillo tiene un gancho brutal y hay pasajes que guitarreros emotivos que suenan tan épicos o trues que los podrían firmar perfectamente unos Battleroar. Exquisito tema.
Llise es un tema a base de acústicas, menos folclórico y más intimista, un viaja al interior de cada uno o a donde usted quiera proponer, ejercicio guitarrero que va creciendo en intensidad como abriéndose al exterior y culmina con un juego de voces muy en plan folk jam session culminando en una explosión de emociones que recuerda a la sensibilidad del flamenco. Se le puede denominar de muchas formas, una de ellas haciendo el palelismo con el mundo del cine sería la de música de autor. Música para sacar las sensaciones que llevas dentro o para mirar dentro de cada uno. No todo va a ser headbanging, chachos.
miércoles, 29 de mayo de 2019
CONTRARIAN – Their Worm Never Dies (2019)
1.
Vaskania (The Evil Eye)
2.
Exorcism
3.
My Curse
4.
The Petition
5.
Among The Misled
6.
Their Worm Never Dies
7.
Whomsoever Worships the Whiteworm
Jim
Tasikas - Guitars
Brian
Mason - Lead Guitars
Ed
Paulsen - Bass
George
Kollias - Drums/Vocals
Contrarian
es una banda americana death progresivo formada en 2014 y con este
alcanzar el tercer disco de estudio. Sus infliuencias de la escuela
de Schuildiner son claras y palpables, parece de perogrullo pero qué
banda no se ha visto influenciada por ese genio malogrado. Vaskania
nos adereza un gran comienzo de disco con ritmos cambiantes, melodías
agresivas y guitarrazos de la escuela de Death en su faceta más
progresiva.
El
inicio lento y más ambiental de Exorcism deja luego paso a un tema
de medio ritmo pero donde el batera se permite el lujo de recrear
arremetidas vigorosas y frescas que la guitarra acompaña
perfectamente. La voz remata todo ese cuadro con una ejecución
acentúa el aspecto ambiental del tema. My Curse tiene un inicio
entre el heavy y el thrash, para luego ir adentrándose en un death
que mezcla el clásico con el progresivo de los 90, con punteos con
su punto de esquizofrenia.
The
Petition es un tema menos progresivo y mas tradicional, con riffs de
death thrash, las típicas alternancias entre medios tiempos y
aceleraciones, pasaje con acústicas y punteo acelerando el tema de
nuevo, clásico y muy bien ejecutado. Among The Misled es otra
muestra más de la versatilidad de esta banda tanto en las guitarras
como en los ritmos, se viene a la mente otro referente del género
del death progresivo como son los Atheist, aunque estos neoyorkinos
le dan un poco más de agresividad y en ese sentido mantiene la
esencia Schuldiner. Disonancias guitarreras acompañadas de furia,
divertido y técnico a partes iguales.
Their
Worm Never Dies empieza pausado con un riff de guitarra sicodélico y
melódico, un tema instrumental para lucimiento de la guitarra, con
los ritmos más lentos del disco la melodía se apodera de la
guitarra y nos deja un ejercicio baladístico progresivo de tanto
gusto como destreza compositiva, un excelente paréntesis para
meterle más variedad al disco, aunque al final meten un par de
acordes con distorsión que no pegan mucho con el sentido general del
tema. Final con Whomsoever Worships the Whiteworm es el tema más
largo y en el que se lanzan más a la carrera, con tantos giros y
variaciones como quieras o puedas imaginar, imposible no pensar en
esa joya que fue y es el Symbolic. Disco de mesilla de noche para
cualquier death metalero de la vieja escuela que se precie, su punto
más débil es que no es nada nuevo y suena muy revival, pero la
ejecución es tan buena que te atrapa.
Feeling:
4/5
Originalidad:
2,5/5
Técnica:
4,5/5
Producción:
4/5
Puntuación:
8,25/10
martes, 28 de mayo de 2019
FRENZY – Blind Justice (2019)
1.Blind
Justice 04:34
2.From
Hell 5:10
3.Killing
with a Smile 05:02
4.Save
Me 04:27
5.Twilight
of the Sapiens 01:14
6.We
Are the Future 03:59
7.Velocity
03:22
8.Mad
Ball 04:04
9.Waiting
on Your Call 04:23
10.Annihilated
by My Sound 05:25
11.Shred
or Die 06:39
Anthony
Stephen: Vocals
Angel
Muñoz “Choco”: Bass
Víctor
Díaz: Guitars
Luis
Pinedo: Guitars
David
Ontanaya: Drums
Ya
hicimos las presentaciones de esta banda madrileña cuando sacaron su
ep en 2016. la verdad es que han tardado en sacar su primer larga
duración más de lo que pensábamos, porque el ep sonaba atractivo,
tuvo buena aceptación y parecía que era el momento de aprovechar el
tirón. Pero ya sabemos como es esto de la música, lo complicado que
es, especialmente cuando no te da de comer, así que daremos por
buena la espera si la calidad es la misma que mostraban en sus
inicios. Por cierto, como recordatorio, son unos amantes del comic,
como tanta gente, y fusionan eso con su heavy metal, como bien se
puede deducir de la portada del disco.
Blind
Justice es un tema de ritmo trepidante, riffs speedicos y
melodías insertadas de por medio, que van intercalando con ritmos a
medio tiempo de sonido épico. Con su ralentización para meter una
serie de punteos melódicos y acabar acelenrando de nuevo la canción,
tema bien trenzado y adictivo.
From
Hell es otro tema con adictivo riffs heavys, buena combinación
de melodías vocales y ritmos con fuerza, sonido de heavy clásico.
Me gusta de esta banda que se toma su tiempo para elaborar el tema,
lo aprecias no solo en lo elaborado de los solos sino también en
como lo van cocinando con la base rítmica. Save Me tiene un
comienzo típico entre heavy y rockero con la guitarra punteando, un
sonido más chulesco, un poco de los Guns, otro poco del clasicismo
rockero de los Thin Lizzy y el heavy de los Saxon, un tema de sonido
tan conservador como atractivo.
Twilight
of the Sapiens es un breve interludio guitarrero sobre todo que
da paso a We Are the Future, un medio tiempo también de
raíces clásicas y hard heavys, buena la ejecución en el micro de
Stephen, le pega totalmente al tema, un poco con el clasicismo de de
unos Stryper en la melodía y los coros, ese tipo de heavy clásico
sencillo pero con encanto.
Velocity
es un tema de poco más de tres minutos que aprovechan desde el
principio para lanzarlo con velocidad y guitarras speedicas, rollo
heavy speed a lo Muro, con solos limpios veloces. Mad Ball
contrasta con la anterior con un medio tiempo hard heavy de esos
machacones a lo Mad Max, Krokus, por ejemplo. Waiting on Your
Call tiene unas guitarras tope ochenteras heavys, otro tema a
media velocidad con el punteo largo como parte destacada, un poco el
sonido Ozzy de los 80.
Parte
final del disco con Annihilated by My Sound otro tema heavy
con buenas cabalgadas en la base rítmica y sonido Tony Martin, entre
heavy y melodías bien elaboradas. Se guardan el tema más largo para
el final, Shred or Die, tema heavy a lo Racer X, con el
vocalista demostrando de nuevo sus buenas aptitudes y los constantes
cambios de ritmo.
Vale
que suenan muy clásicos, en ese sentido poca novedad, pero suenan
con poderío guitarrero, composiciones atractivas, fáciles de
escuchar y de drisfrutar también en directo, un disco que cumple con
creces el objetivo básico de este rollo, divertir.
Feeling:
4/5
Originalidad:
3/5
Técnica:
3,5/5
Producción:
4/5
Puntuación:
7,75/10
lunes, 27 de mayo de 2019
TWISTED TOWER DIRE - Wars In The Unknown (2019)
1.
The Thundering 4:15
2.
True North 4:34
3.
Tear You Apart 3:34
4.
Light The Swords On Fire 3:41
5.
And The Sharks Came Then 4:57
6.
Riding The Fortress 4:07
7.
Eons Beyond 3:33
8.
A Howl In The Wind 4:28
9.
The Beast I Fear 3:56
10.
These Ghosts Can Never Leave 4:05
Scott
Waldrop - Guitar
David
Boyd - Guitar
Jonny
Aune - Vocals
Marc
Stauffer - Drums
Jim
Hunter – Bass
Dentro
de lo que es el power americano los TTD son una banda que goza de un
gran reconocimiento dentro del underground aunque no han logrado dar
el salto a un plano de audiencia más amplio, quizás porque hacen
gala de un sonido menos comercial, más under y con menos concesiones
para la galería, aunque repleto de calidad. Apariciones en Wacken y
cuatro discos antes de cambiar de vocalista y que la banda
desembarcase en el KIT. Luego sacarían su quinto album que por
cierto dedicaron a la memoria de su primer cantante Tony Taylor
tristemente fallecido en un accidente de moto. A partir de ahí se
dedicaron más a girar, pero por fin tenemos ante nosotros el nuevo
album que saldrá a través de No Remorse Records en el mes de marzo.
Empezamos
con The Thundering y las sensaciones que deja desde el
principio es los americanos siguen donde lo dejaron. Power americano
portente tanto en ritmos como en voces, con su deje epic. Primer solo
para ir calentando y dejando que vuelen los puños. El ritmo
machacante que no cesa. Segundo punteo igual de pontente que el
primero, y un tercero más melódico para pasar la bandeja. No se
puede pedir más a este inicio de disco,
True
North empieza con redoble de caja y acordes melódicos, cambio de
ritmo y heavy epic comandado por las guitarras como no podía ser de
otra forma. Excelente voz la de Aune, tiene carisma, y los coros
completan el cuadro. Un tema menos cañero y más centrado en el
estribillo, no tiene la magia del anterior pero sí un gancho como la
copa de un pino.
Una
cosa está clara, estos americanos tiene un sinido heavy que no deja
lugar a las dudas ni a las medias tintas, sabes de qué van desde el
principio y te conquistan desde el minuto con su actitud, en eso me
recuerdan a bandas como Battleroar, Jag Panzer o Slough Feg.Tear
You Apart da un salto de energía con unos riffs trepidantes
desde el inicio, lo que os decía, no hace falta que se pongan las
pilas, las llevan puestas desde que salen de casa. Ritmo demoledor,
acompañado de estribillo pegadizo, que acaba desembocando en el
intercambio de punteos. Otro punto ganador y el disco sigue
derrochando energía, de sombrero.
Light
The Swords On Fire es un tema que se mueve hacia el sonido de
unos Lost Horizon, es decir un power muy bombístico, con unas
vocales cautivadoras y unas melodías que avanzan sobre un ritmo sin
pausa a lo power usa, ese punto de agresividad que les diferencia de
las bandas europeas.
Seguimos
avanzando a la velocidad del rayo en el disco, cuando algo es bueno
el tiempo vuela. And The Sharks Came Then es un heavy con
unas guitarradas más raspadas, menos power y sonido más clásico y
heavy, de nuevo tirando hacia el lado más épico de la banda a los
Slough Feg, Brocas Helm, esto es heavy con mayúsculas, guitarras
encabritadas, coros genuinos sin aditivos ni parafernalias, todo está
en su sitio. Los punteo llenos de calidad y de feeling, chapeu.
Riding
The Fortress es un tema de heavy epic power, como si mezclases a
unos Omen, Atlantean Kodex con unos Warlord, melodía y garra a
partes iguales, con unas guitarras siempre inspiradas, la base
rítmica le da al tema justo la potencia que necesita y la voz de
Aune es solvente, potente y sin estridencias innecesarias, pura
dinamita de principio a fin. Eons Beyond es el tema más
breve del disco y quizás el más predecible del mismo. Claro
acostumbrado a la magia de los anteriores, cuando te sacan unos riffs
más por el libro todo te sabe a poco, de todas formas el ritmo
trepidante te llevará en volandas, lo que nos deja otra de las
características del disco: no hay apenas pausas, el pedal siempre a
tope de principio a fin.
A
Howl In The Wind arranca con unos guitarrazos heavy epic y medio
tiempo, deja traslucir magia en el ambiente, en este caso es el
vocalista el que se lleva el gato al agua comandando las operaciones,
sus voces hacen que el tema cobre una personalidad especial, punteo
atmosférico que acompaña pefectamente el sentido del tema.
Vuelven
a mostrar su lado más power en The Beast I Fear, buenas
melodías y su buen gusto en los punteos de guitarra donde ralentizan
un poco el tema y se recrean en la ambientación. Final con These
Ghosts Can Never Leave, dejando lucir de nuevo las guitarras, no
tiene la fuerza de los temas más inspirados del disco, pero en este
disco no hay tema malo o flojo y consiguen mantener el listón muy
alto de principio a fin, algo ciertamente complicado. La vuelta de
los Twister Tower Dire no puede ser más gloriosa después de muchos
años sin temas nuevos.
Feeling:
5/5
Originalidad:
4/5
Técnica:
4/5
Producción:
5/5
Puntuación:
9/10
sábado, 25 de mayo de 2019
IRON FIRE – Beyond The Void (2019)
1.
Intro 0:39
2.
Beyond the Void 4:02
3.
Final Warning 3:55
4.
Cold Chains of the North 3:39
5.
Wrong Turn 3:43
6.
Bones and Gasoline 4:53
7.
Old Habits Die Hard 3:51
8.
Judgement Day 4:33
9.
To Hell and Back 3:26
10.
One More Bullet 4:06
11.
The Devils Path 3:49
12.
Out of Nowhere 3:32
Martin
Steene - Vocals & Bass
Kirk
Backarach - Guitar
Gunnar
Olsen - Drums
Nuevo
disco de esta mítica formación danesa a la vista, saldrá publicado
el 8 de marzo por Crime Records. Esta formación power, la más
popular de su país en este estilo, se creó en 1995 pero no debutó
hasta el 2000 con Thunderstorm, que se puede considerar un clásico
dentro del estilo y posiblemente el disco más valorado de la banda a
nivel popular.
La
banda ha pasado por distintos cambios en su formación, en 2015
volvió el batera original Gunnar Olsen volvió al grupo nada menos
que quince años después. Actualmente la banda es un trío que
completan el también miembro fundador Martin Steene y el guitarrista
Kirk que unió al grupo en 2003 y por tanto es también un viejo
conocido de los fans. Veamos lo que tienen que ofrecernos casi veinte
años después de su debut con este su noveno disco.
Una
primera toma de contacto a través de una intro de ambientación
bastante enigmática, acto seguido arranca Beyond the Void
cargada de melodías desde el principio, a ritmo de medio tiempo
insertando acometidas power, un sonido típico centroeuropeo, un tema
correcto aunque lejos de resultar espectacular.
Final
Warning viene con más carga de groove, sonido más metalero pero
introduciendo las melodías tarde o temprano, un corte en la línea
de bandas como Hammerfall, Metalium o los Freedom Call cuando se
ponen más melódicos. Otro tema de cánones clásicos pero que sigue
sin resultarme matador.
Cold
Chains of the North se inicia con el típico riffeo que deja
predecir un tema más melódico, aunque le siguen metiendo bastante
distorsión a la guitarra, lo cierto es que enseguida enganchan con
el estribillo buscando el gancho, la producción no me acaba de
convencer del todo, un poco excesiva quizás. El estribillo es el
mejor en lo que va de disco y el solo también está bastante
inspirado.
Lanzan
Wrong Turn con un sonido guitarrero más sucio y unos ritmos
que apuntan hacia el heavy speed. La base rítmica sigue un patrón
similar a la de temas anteriores y la verdad es que los temas se
parecen bastante, eso hace que pierda frescura. La voz suena agresiva
y en este tema donde dan un paso más hacia un sonido más potente
encaja mejor que en temas anteriores. El punteo más ambiental le da
otra dimensión a la canción. Inicio acústico en Bones and
Gasoline y mezcla un poco la temática heavy melódica con un
estribillo y partes lentas más rockeras.
Old
Habits Die Hard al menos nos saca un poco de la modorra en la que
se estaba instalando el disco, tiene un inicio fulgurante con ritmos
thrashers, pero la pena es que no sigue por ese camino sino que
levantan el pie del acelerador y el tema vuelve a decaer. Cuando
vuelven a pisar el pedal resurgen de sus cenizas, pero es un tema al
que le falta consistencia y continuidad, pierde el potencial que
mostraba al principio, aún así y visto lo visto hasta ahora es de
lo más interesante del disco.
Judgement
Day es la balada del disco, nada especialmente llamativo, dominan
los tiempos tranquilos con picos puntuales donde dan más guerra,
rollo Dream Evil o Iron Savior. Eso sí, el punteo marca de la casa.
To Hell and Back es otro tema que empieza con ritmos thrashers
pero por medio se va diluyendo con momentos de power metal, tiene la
garra y la vitalidad que quizás le falta a muchos otros temas, de lo
mejor del disco. One More Bullet empieza con punteo, buen
rollo, el bajo también tiene más presencia, sonido potente a los
extintos Powergod y otro buen punteo al bolsillo, parte final con
guitarras melódicas. Ciertamente el disco experimenta un resurgir en
la parte final cuando prestan menos atención a melodías y
estribillo y se centran en sacar ritmos potentes.
The
Devils Path sigue su apuesta por los ritmos de thrash y power, un
acierto en mi opinión, siguiendo los pasos de los Judas Priest más
cañeros con el Painkiller, nada nuevo pero es curioso escucharlo de
manos de estos daneses. Última pista con Out of Nowhere entre
el heavy y el speed metal, los compararía con unos Riot por ejemplo,
tiene fuerza, lo que menos me convence es el estribillo.
El
disco va de menos a más, empieza más melódico y fiel al estilo
tradicional de la banda, aunque ciertamente con bastante falta de
inspiración o de feeling y acaban con los últimos cinco temas
adentrándose en nuevos territorios para ellos, aunque sin abandonar
del todo el power que siempre les ha caracterizado. Es de esos discos
que no sabes muy bien cómo va a reaccionar el público de toda la
vida, pero yo claramente me quedo con la parte donde intentan cosas
nuevas. Una vez más, veinte años después esto es como lanzar una
moneda al aires, pero valoro positivamente la valentía del grupo al
querer hacer algo nuevo, aunque no sea lo mejor de su trayectoria
discográfica ni de lejos.
Feeling:
3/5
Originalidad:
3/5
Técnica:
4/5
Producción:
3,5/5
Puntuación:
7/10
THE RIVEN – The Riven (2019)
1.
The Serpent 3:31
2.
Far Beyond 4:47
3.
Edge of Time 3:28
4.
Shadow Man 3:59
5.
Finnish Woods 5:29
6.
Fortune Teller 4:51
7.
I Remember 5:10
8.
Leap of Faith 3:14
9.
Sweet Child 5:54
Totta
Ekebergh - Vocals
Arnau
Diaz - Guitar
Max
Ternebring - Bass Guitar
Olof
Axegärd - Drums
Los
suecos Raven debutan con este album pero antes de empezar a contaros
un poco cómo suena quiero compartir con vosotros unas notas acerca
del grupo y como se gestó todo esto. Lo primero que me llamó la
atención es que siendo suecos se hayan venido a Madrid a grabar el
disco. Pero ya en 2016 habían grabado sus primeras cinco canciones
incluidas en el ep Blackbird, que por cierto llamó la atención de
mucha gente, así que este disco debut era más que esperado. Como
una metáfora de la versatilidad de este grupo, al año siguiente se
trasladaron a Suecia donde parece que se encuentran muy a gusto
trabajando, aunque la temperatura no sea tan agradable como en la
Barcelona del guitarrista. Hechas un poco las presentaciones me meto
en harina, que ya hay ganas de comentar el disco.
The
Serpent arranca con unos acordes que tienen todo el sabor del
rock de los sesenta de bandas como Thin Lizzy, con un toque también
de sicodelia que también transmite la voz de la espectacular Totta.
No perdáis de vista el espléndido trabajo en los bombos que le da
versatilidad, frescura y el toque progresivo al tema. En la pausa
incluso se permiten meter riffs que suenan ambientales a lo Black
Sabbath, como podéis comprobar toda una amalgama de sonidos, eso sí,
siempre de sabor clásico, pero con una mezcla en proporciones
exquisitas.
Far
Beyond tiene un inicio lento y ambiental con la voz como
protagonista, las vibraciones de puro rock arropándola, a medida que
van pasando los segundos la canción te va envolviendo con más capas
de sonido. Me encanta la vibración de rock con alma al estilo The
Cult que le meten en los momentos de pausa, al igual que el punteo,
de la escuela Duffy, es decir, primando la emotividad. Le dan su
punto progresivo al tema con los riffs posteriores. Sin duda un tema
que puede trasladar muy pero que muy lejos.
Edge
of Time es un rock con connotaciones blueseras y hasta diría que
algo gospel incluso gracias a la multipersonal voz de su vocalista,
rock británico añejo a tope, con un estribillo de esos que no se
olvidan, acierto tras acierto.
Shadow
Man es un tema donde meten excelentes melodías que encajan
dentro de la vertiente heavy rock de la new wave, con esa
ambientación y magia enigmática que siempre fueron la seña de
identidad de las bandas de ese movimiento, esto cobra su máxima
expresión en la pausa con la voz preparando un punteo tan clásico
como el propio tema. Y qué decir de Tatta? Sin duda la que lleva el
espíritu del tema y que me recuerda a la magia que desplegaba Sean
Harris en uno de los discos más alabados de todos los tiempos del
heavy británico.
Finnish
Woods contemporiza el ritmo del tema y de nuevo la coordinación
de la banda es perfecta entre el auge de la voz, los cambios de
ritmos y los armonía de los riffs. Una balada mágica donde parece
detenerse el tiempo y el mundo. El estribillo es tan infeccioso que
no te lo podrás sacar de la cabeza en varios días. Y qué decir del
cambio de ritmo con sonido rockero setentero sabbathiano? Realmente
espectacular y Díaz tomando protagonismo, justo lo que pedía el
tema. Temazo absoluto, como diría Vpower.
A
estas alturas del disco me digo a mi misma que en algún momento
tendrán que bajar un poco el listón y mostrarse menos inspirados,
porque no puede ser que mantengan este ritmo demoledor. Fortune
Teller es una pista de rock blues que suena muy clásica, con
todas las piezas en su sitio, pero que no suena tan fresca y
sorprendente como los temas anteriores, ya me quedo tranquila, son
humanos. Eso sí, me sigue encandilando la voz heavy rockera de Totta
Ekebergh. La pausa ambiental progresiva, sin embargo, nos reconcilia
con las sensaciones rockeras progresivas que habían ido plantando
hasta ahora y vuelven a sembrarme de dudas sobre su condición
terrenal.
I
Remember es la canción más bluesera de todo el disco, servida
en bandeja para que una vez más Totta despliegue todo su caudal de
voz y sensibilidad, y no desaprovecha la ocasión. Sin embargo, en
cuanto a esquema es el tema más previsible de todo el disco, aunque
esté realizado con un gusto exquisito. Leap of Faith contrasta
con su predecesora por su ritmo vivo de rock clásico, sus destacadas
líneas de bajo y las melodías de voz, y como no podía ser de otra
forma el tema acaba desmelenándose por completo.
Por
desgracia el disco llega a su fin con Sweet Child, será una
referencia velada a la mítica canción de los Guns? La respuesta es
no, es otro tema de rock blues, aunque si quieres rizar el rizo
puedes buscarle un hilo de conexión con el uso del wah en la
guitarra, pero esto es puro rock clásico con acento bluesy y
especiado con notas soul en la voz, espectacular.
El
grupo suena compacto como una piña, suena clásico pero sin resultar
repetitivo o excesivamente revival. Tienen a su favor en cuanto a
frescura el punto progresivo ambiental que le dan a los temas. Pero
sobre todo tienen un diamante bien pulido que se llama Totta y creo
que son conscientes de ello, porque aquí lo que prima es el rock y
el feeling, en eso son imparables.
Feeling:
4,5/5
Originalidad:
4/5
Técnica:
4/5
Producción:
4/5
Puntuación:
8,5/10
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