BOB KATSIONIS – Amadeus Street Warrior (2020)

 

1. Level 1 - Into The Asylum

2. Level 2 - Seline City

3. Boss Fight I - The Doctor

4. Level 3 - The Mansion

5. Amadeus Main Theme

6. Level 4 - The Castle

7. Level 5 - Bay Area Highway (The Dream)

8. Level 6 - Twin Peaks

9. Boss Fight II - The Mad Mouse

10. End Credits Theme

Bob – everything

Sexto disco ya en solitario de este músico griego que cuenta sus participaciones con otras bandas y proyectos por decenas casi se podría decir, unas veces más involucrado que otras pero con un montón de colaboraciones por ahí, de ellos quizás la que mñas fama le ha reportado es su estancia como miembro de los Firewind, en los que ya no está.

Vpower ya lo entrevistó hace un par de años con motivo de su anterior disco y es un músico que se defiende bien tanto con la guitarra como con los teclados aunque declara su preferencia clara por estos últimos. Y eso es lo que te vas a encontrar en el primer tema ya desde el principio. Se podría hablar de música de fantasía, quizás también electrónica o música disco, a mí me recuerda mucho a la música de los videojuegos, también puede buscársele un enfoque cinematográfico.

Bueno y se te escuchas los primeros compases de Boss Fight I - The Doctor pues directamente preguntas donde está el videojuego para el que han diseñado esta música. Y es que de eso va el tema amigos, es como una oda a los tiempos ochenteros de los Commodore, Spectrum, Nintendo, etc, te imaginas el Comecocos o el Target Renagade y demás dando patadas en la pantalla de manera desaforada. El propio compositor griego reconoce que grabó este disco en seis días, estando de vacaciones, bueno se ve que se aburría. Y es si os fijáis en los títulos de los temas el disco está creado como si fuese un videojuego en el que vas avanzando niveles y al final te enfrentas al gran jefe o al gran monstruo. Y bueno, no tiene mucho más sentido comentar los temas porque no son canciones al uso, son todos ellos instrumentales, no hay algo así como un estribillo y lo que sí tienen en común es el uso de sintetizadores y teclados, batería electrónica y todos los demás arreglos al uso.

Bueno, está claro que a estas alturas Bob se ha ganado el derecho a hacer lo que quiera, pero sinceramente encuentro difícil que alguien en su sano juicio se pueda escuchar este disco de principio a fin por puro placer, porque sinceramente acabas un poco loco de la cabeza. Está bien como música para videojuegos y cosas así. Sobre todo lo que te raya más o te rompe los esquemas es la base de teclados que tiene ese sonido tan de ordenador, porque a partir de ahí mete algunas melodías interesantes. Lo dejo en una simple anécdota o en una frikada para gente que le vaya este tipo de cosas, pero me niego a valorar algo así porque se sale de lo que es un disco normal al uso.

NIGHT – High Tides - Distant Skies (2020)

 

1. Shadow Gold

2. Burning Sky

3. Crimson Past

4. Falling in the Black

5. Running Away

6. Here On My Own

7. Lost in a Dream

8. Give Me to the Night

9. Under the Moonlight Sky

Oskar Andersson - Guitar / Vocals

Sammy Ouirra - Guitar / Vocals

Joseph Max - Bass

Linus Fritzson - Drums

Estos suecos empezaron su andadura como una banda tributo a Judas Priest y Saxon, dos mitos vivientes del heavy británico, pero como ocurre con algunas bandas de ese estilo acaban cansándose de eso y componiendo sus propios temas. Y esta es la historia de Night, una banda de rock con ramalazos de proto-metal donde la guitarra es claramente el elemento dominante. 

 Ya hicieron mucho ruido en 2017 con su disco Raft of the World, donde mostraban una cara muy setentera. Este cuarto disco que os voy a comentar saldrá publicado en septiembre y de nuevo fusiona varias influencias como iremos viendo. Pero antes de meterme en harina me gustaría plasmar aquí unas declaraciones de su guitarrista Sammy  que vienen con la promo que nos ha llegado y que me parecen interesantes y reveladoras: "Rock is a serious thing, but at the same time, it can't be taken to serious. Rocking is fun and fun it shall remain. For us, I think the future is looking bright and it's feeling groovy. Put on your boots and get ready for the next chapter of NIGHT! Imagine a twilight zone where disco didn't die and rock music was allowed inside studio 54!". Vamos al lío. 

Shadow Gold tiene efectivamente esa mezcla de elementos de rock, proto metal y el aroma disco setentero en la batería, indudablemente las reminiscencias de bandas como los Thin Lizzy están ahí. Riffs muy bien construidos y con mucha presencia, también yendo hacia la vertiente más melódica de la new wave, como os decía antes el peso de las guitarras es fundamental para entender su música. 

Burning Sky destila melodías y es una mix entre el rock y un heavy melódico a lo Heavy Load, pero introducen también partes lentas donde se recrean en la ambientación, un tema divertido de escuchar aunque no tan vibrante como el anterior. Crimson Past vuelca totalmente el sonido hacia un rock elemental a lo Dire Straits, algunos adorarán estos cambios de frecuencia mientras que quizás otros queden un poco descolocados, en mi opinión hacen al disco muy entretenido y siempre dentro de las coordenadas del rock, es decir, que no se están metiendo a hacer música electrónica, la ejecución además siempre con gran clase. 

Falling in the Black es el terreno donde más me cautivan, ese sonido setentero impregnado con las raíces del protometal y la frescura del tema la ponen con la pausa ambiental de la que van despertando poco a poco a base de guitarrazos melódicos a lo grande, uno de los temas más destacados. Running Awayn nos muestra un rock más convencional, de riffs más típicos y con influencias de la música comercial en los arreglos de teclados, las voces y las guitarras, eso sí el punteo le mete watios a este rock dulzón y meloso. 

Here On My Own es uno de los tiempos más heavys del disco con referencia clara a los primeros tiempos en los que se dedicaban a emular a los Judas Priest, a los de los 70 o principios de los 80 claro. Lost in a Dream es otro tema con las influencias de los de Lynnot, me quedo sobre todo con los contrastes entre las partes blandas y las más macarras de guitarra. Give Me to the Night es un hard heavy muy en onda Blues Oyster Cult, respira clasicismo y tiene un ritmo contagioso que el vocalista acentúa con su forma de cantar. 

Acaban con Under the Moonlight Sky, uno de los cortes que suenan más setenteros de todo el disco y que a mí en las guitarras me recuerdan un montón a Eric Clapton, y es que estos suecos respiran rock añejo y clásico por todos sus poros y lo saben llevar a temas que suenan siempre divertidos, ese es quizás la clave de su éxito, que no se recrean como otras bandas en el lucimiento sino que la calidad y la técnica la encaminan a hacer temas frescos y que te enganchan sin que te des cuenta, aprovechando las influencias de tantas bandas que han habido antes que ellos. 

Feeling: 4/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 7,75/10

ATRAMENTUS – Stygian (2020)

 

1. Stygian I: From Tumultuous Heavens... (Descended Forth The Ceaseless Darkness)  

2. Stygian II: In Ageless Slumber (As I Dream In The Doleful Embrace Of The Howling Black Winds)

3. Stygian III: Perennial Voyage (Across The Perpetual Planes Of Crying Frost & Steel-Eroding Blizzards) 

Francois Bilodeau - Synthesized Threnodies, Spectral Hamonics, Dismal Atmospheric Vibrations

Antoine Daigneault - Five-stringed Cerulean Chasm Convulsions

Claude Leduc - Six-Stringed Glacial Blood-Steel Intonations

Phil Tougas - Six-Stringed Howling Black Winds, Subterranean Throat, Funereal Chants, Frozen Screams

Xavier Berthiaume - Seismic Pulse & The Ceaseless Pounding In The Eastern Horizon

Hay bandas o discos que tienen una audiencia más específica y otros que son más generalistas y cuya música puede gustar o agradar a un espectro más amplio. Estos Atramentus entran claramente dentro del primer grupo, y no quiero decir con ello que no le puedan gustar a cualquiera sino que tienen un estilo muy definido que entra dentro de lo que es el doom y el funeral doom más en concreto. 

Stygian I es el primer tema del disco, más de dieciséis minutos de canción con un inicio con ritmos pausados y guitarras fantasmagóricas a tope que ya dejan ver lo que se nos viene encima. Destacar sobre todo lo que es la esencia de su música, la búsqueda de la ambientación siempre lúgubre y en las tinieblas. Las guitarras son espasmódicas y la voz es más un susurro profundo, un murmullo, tirando hacia lo gutural pero con esa capa atmosférica. No es una canción para nada estática sino que va evolucionando hacia una creciente intensidad que alcanza su clímax a mitad de tema y deriva en una parte final que son como los estertores de la batalla, ojo al juego de la batería con los platos que es muy interesante. 

Stygian II es un tema mucho más corto y esencialmente atmosférico, difícil describirlo con palabras, es como si te metieras en una burbuja y ahí escucharas las reverberaciones del mundo o los latidos de la Tierra, o es como cuando te sumerge una ola en el mar y oyes ese sonido sordo del agua que inunda tus oídos. Hace la función de puente entre el primer y tercer temas, a modo de transición ambiental. 

Final del disco con Stygian III es otro tema repleto de sonidos de funeral doom, melancolía y también sonidos guturales, porque esta gente despliega una música que está emparentada con el black metal. De hecho, le habréis oído decir a Hombre Rancio muchas veces que el black metal es el estilo que más evolución presenta en la actualidad, pues bien estos Atramentus se podrían considerar unos primos hermanos del black metal o unos blackmetaleros transmutados al doom. Esta me parece la mejor canción del disco y en especial me quedo con la espectacular labor efectista de las guitarras en medio de la atmósfera del tema, explotando de manera espectacular el lado más emotivo de sus composiciones. También quiero destacar el buen gusto de las voces que se ponen al servicio de la ambientación y que este tipo de bandas suelen pasar más desapercibidas. 

Un álbum leviatánico, es como el despertar bajo una montaña de hielo donde los sonidos aparecen amortiguados, donde la vida parece quedar lejana en el tiempo y en el espacio, un viaje sonoro que cada uno debe interpretar según su imaginación le de a entender, que al fin y al cabo eso es lo mágico de todo arte y estos canadienses te lo ponen en bandeja para que vueles allá donde quieras. El disco saldrá el 21 de agosto a través del sello 20 Buck Spin. Por cierto, espectacular la portada en consonancia con lo que es su música. 

Feeling: 4,5/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8,25/10

 

THE RIVEN - Windbreaker / Moving On (2020)

 

1. Moving On

2. Windbreaker

Totta Ekebergh - Vocals

Arnau Diaz - Guitars

Max Ternebring - Bass

Jussi Kalla – Drums

Tras su exitoso disco de debut estos rockeros suecos de aires retro presentan dos temas nuevos en formato ep que saldrá publicado de manera oficial el 28 de agosto. Si ya conoces su debut sabrás de que palo va esta banda, un rock clásico y sincero, tirando hacia el sonido setentero. 

Moving On es una canción de ritmo vibrante, con buen efecto en las guitarras, me encanta la producción que le dan a los temas, suena con fuerza pero al mismo tiempo natural, metiendo el efecto justo en las guitarras. En cuanto a Totta decir que es un frontman de esos que te conquistan desde el primer momento, nunca he visto a estos chicos en directo pero me imagino que tienen que ser muy divertidos porque su música es muy efectista y de lo más contagiosa. En este tema me quedo sobre todo con la pausa  atmosférica que me recuerda a ese maravilloso disco de los Scorpions, tan olvidado, que es el Lonesome Crow con Schenker haciendo de las suyas y ese espíritu de eterna juventud que trasmitían los alemanes, igual que lo hacen en este tema los Riven. 

Windbreaker es otro excelente tema de sonido retro rock, tienen la elegancia setentera pero con la potencia de un rock actual, subliman una buena mezcla y todas las piezas del puzzle están muy bien encajadas, ritmos siempre con su punto de aceleración, riffs que te hacen saltar y el vocalista con ese espíritu libre que se desprende de sus letras, simplemente suenan frescos y como bien sabéis eso es complicado en el mundo de la música y no digamos ya en el del rock que es menos dado a innovaciones. De sombrero lo de estos suecos. Un ep de lo más divertido y una buena forma de conocer a esta banda si nunca te has acercado a ellos. Por cierto, también puedes leerte la reseña que publicamos el año pasado de su excelente disco debut.

AIRFORCE – Strike Hard (2020)

 

1. Fight

2. Die for You

3. Son of the Damned

4. The Reaper

5. Finest Hour

6. Don't Look in Her Eyes

7. I Feel Your Pain

8. War Games

9. Band of Brothers

10. The War Inside

11. Faith Healer (CD bonus)

Tony Hatton - Bass

Doug Sampson - Drums 

Chop Pitman - Guitars

Flávio Lino - Vocals

Curioso el caso de esta banda Airforce, porque se formaron en 1987 y tenían un sonido influenciado por la new wave, pero no sacaron su primer disco hasta 2016. Ahora siguen recuperando el tiempo perdido y nos entregan el segundo álbum. Por cierto, como podéis ver en la batería está Doug Sampson que pasó por los Iron Maiden en sus tiempos primigenios, claro. Otra de las notas interesantes respecto a este disco es que cuenta con algunas colaboraciones destacadas como las de Paul Di’ Anno y el cantante  Ivan Giannini, que estuvo en la banda pero ahora forma parte de los Vision Divine.

Empezamos el disco con Fight que tiene un riff muy metalero ochentero a lo Judas Priest, mientras que la forma de cantar del vocalista va más enfocada a un estilo Maiden con una voz muy aguda, dickinsiniana, si se permite el palabro. Pero sobre todo me quedo con el majestuoso sonido de la guitarra y ese estilo Priest de los 80 que le sienta al tema como un guante. 

Die for You es un medio tiempo de nuevo con los riffs Judas a lo British Steel luciendo por todo lo alto, sonido clásico a tope. La verdad es que estos Airforce no inventan nada y tiran de los riffs de toda la vida, pero suenan muy old school y eso sin duda gustará a mucha gente. Son of the Damned es otro tema donde dibujan buenas melodías heavys, pero en este caso incorporan un cambio de ritmo a mitad de tema que le da más vidilla al asunto. 

The Reaper es un tema conservador, de lo más simple tanto en la base rítmica como en las guitarras, siguen moviéndose en el medio tiempo que es donde parece que se encuentran más cómodos, y donde le meten un poco más de miga al tema es en la parte de los solos, melódicos y con cierto grado de ambientación. Finest Hour es una de las canciones más electrizantes del disco, ese comienzo con un riff muy dinámico es como una bomba de neutrones, me falta un poco de velocidad, es lo que pedía como continuidad ese explosivo comienzo, pero no está mal el tema, de lo mejor del disco.

Don't Look in Her Eyes es un corte con más distorsión en las guitarras, aunque el ritmo es más o menos lo de siempre, dibujan buenas melodías, el mejor tema del disco en ese sentido. I Feel Your Pain es un tema más lento y atmosférico, alcanzando su momento más emotivo con el punteo que lleva ese toque melódico ambiental. War Games es la balada del disco, se les da bien esta faceta ya que no son dados a los ritmos de grandes galopadas sino más bien a los medios tiempos. Band of Brothers muestra unas guitarras que destilan Judas Priest por los cuatro costados, siempre en modo ochentero. 

The War Inside podrías pensar que es la segunda balada del álbum ya que empieza muy ambiental pero realmente es un medio tiempo más donde siguen cultivando su faceta más melódica y ambiental. Me gusta el sonido tan clásico que muestra la banda, por contra su punto menos interesante es que faltan temas que rompan un poco la monotonía del disco, lo tenían muy fácil con meter un par de canciones veloces, y por otro lado no ofrecen un sonido nada innovador, producto clásico para metaleros de toda la vida. 

Feeling: 3,5/5

Originalidad: 1,5/5

Técnica: 3/5

Producción: 4/5

Puntuación: 6,5/10

 

APOTROPAICO – Under Control (2020)

 

1. Party of Death

2. Club 27

3. Voice of Power

4. Something to Say

5. Piss Me Off

6. The Hunters

7. Under Control

8. It s Thrash Not Fucking Trash

9. Walking Out of Real

Pablo Kiaro - vocals

Daniel - guitar backing vocals

Manda - guitar backing vocals

Theo - bass

Toni - drums

Banda de Ibiza, que presenta su segundo disco, de hecho tenéis comentado en nuestra web su debut, que no es que fuese espectacular pero que nos dejaba un buen sonido de guitarras, veremos como han madurado dos años después. 

El arranque del disco lo protagoniza Party of Death, tiene un comienzo tendente al thrash en las guitarras y complementado con un tiempo acelerado, entra pronto el estribillo y a medida que transcurre el tema se van metiendo más por el camino del heavy. No le veo mucho sentido al interludio instrumental antes del punteo, me corta bastante el rollo. Y acaban el tema con una voz más limpia como queriendo dotar al tema de más variedad pero que no me encaja con lo anterior.

Club 27 tiene un sonido heavy con recurso a un poco al thrash sobre todo con la base rítmica que sube la intensidad en momentos puntuales. Al igual que en el tema anterior meten una ralentización antes del punteo, pero en este caso están más acertados. 

Voice of Power es un medio tiempo con un comienzo ambiental, me gusta como desarrollan esa cara ambiental del tema y sin embargo no me cuadra mucho con la labor de los coros que va en una dirección diferente y se carga un poco el buen efecto que habían creado. Something to Say es uno de los temas de guitarras más afiladas y tendentes hacia el sonido americano, canción potente y de lo mejor del disco. 

Piss Me Off va más en la línea general del disco, con esas alternancias entre partes lentas y otras aceleradas, a veces es una cosa que me deja un poco descuadrado, porque deja un poco ambiguos los temas, aunque la labor en los riffs sí me resulta convincente. The Hunters es uno de las canciones con sonido más consistente, riffs machacones e intensidad creciente hasta el final. 

Under Control tiene el aliciente de una base rítmica rica en matices, aunque los riffs son   bastante típicos, pero el solo nos redime un poco de esa previsibilidad. El vocalista lleva todo el disco moviéndose casi en único registro, no saca los pies del tiesto en ningún momento pero tampoco marca las diferencias. It s Thrash Not Fucking Trash es posiblemente la pista más contundente del disco y se disfruta más que ninguna otra, además tienen ciertos momentos de locura y sicodelia punk en las guitarras. Echan el cierre con Walking Out of Real, un corte de riffs pesados y voces limpias y un tanto alternativas por momentos que me deja bastante indiferente y se desmarca del sonido potente que es la nota dominante del disco. 

Un disco bastante uniforme, no hay grandes altibajos, quizás se echa en falta un par de temas estelares que dinamiten el disco, pero en general se disfruta sobre todo a la labor de las guitarras en los solos y a los buenos cambios de ritmo. 

Feeling: 3/5

Originalidad: 2/5

Técnica: 3/5

Producción: 4/5

Puntuación: 6/10

EUPHORIA – Euphoria (2020)

 

1. Higher

2. Looking For Love

3. Heaven's a Breath Away

4. Bitter & Wise

5. Whisper a Prayer

6. Survivors

7. Edge of the World

8. Victims of Circumstance

Chrisanthi - Vocals

Tony Kash – Guitars

Guests:

Theodore Ziras - Lead Guitar

Kevin Harper – Bass

Brian Cox – Drums

Greg Herndon – Keyboards

Chrisanthi, Fotini Kostopoulos, Irida Zorba - Backing Vocals

Primer disco de esta banda que nace de la conjunción de la vocalista Chrisanthi y del guitarrista Tony Kash, ambos habían desarrollado su carrera en el mundo del rock y son americanos aunque el proyecto se fraguó en Grecia, contando con la participación de otros artistas invitados. Veamos que nos ofrecen en su debut. 

Empezamos con Higher un tema de rock que vive sobre todo de la carismática voz de  Chrisanthi. No estamos ante un rock duro aunque algunos de los riffs apuntan más en ese sentido, es más bien un rock con tendencia hacia lo comercial aunque sin caer en lo vulgar. Por ejemplo la aportación de los teclados le da más aplomo al tema y ya digo que hay un par de riffs que mantienen el nivel, aunque el estribillo es quizás lo más tendente al pop. 

Looking For Love tiene el típico riff de comienzo muy de Aor clásico de toda la vida, y en ese sentido continúa luego la canción, con un ritmo ligero y guitarras blandas primando la melodía, para culminar en un estribillo que podría firmar el propio Mark Free.

Heaven's a Breath Away es una sencilla pieza rockera donde el protagonismo se lo llevan la vocalista y los teclados, hay que reconocerles que los estribillos están bien logrados y la labor de Tony Kash en las guitarras es aceptable aunque los punteos son los típicos de veinte segundos sin grandes complicaciones. Bitter & Wise es otro tema de orientación rock aor buscando esas melodías ganadoras, de esas canciones que te suben un poco la moral, con momentos donde se mueven hacia el sonido pop o más comercial pero con dignidad y suficiente calidad. 

Whisper a Prayer es un tema en forma de balada, dominada por los teclados, sencilla y buscando el estribillo de forma recurrente, la vieja fórmula de siempre. Survivors es una de las canciones con mayor valor en el aporte de las guitarras, con riffs rockeros que tienen sonido clásico y carisma ochentero, Chrisanthi no desaprovecha la ocasión para hacerse con las mandos de la nave una vez más.

Edge of the World es un tema de lo más predecible pero donde curiosamente tenemos uno de los punteos más rockeros del disco, eso sí, seguido de la subida de tono en el estribillo. Finalizan con Victims of Circumstance que es la balada más típica o auténtica del disco, acordes muy tranquilos para que la chica pueda cantar casi en solitario y luego en el estribillo el apoyo de coros, es indudable que tiene una bonita voz y con la potencia suficiente para defender estos temas y otros con más caña también. 

No nos descubren nada nuevo estos Euphoria, un disco de rock bastante blando y predecible, de aor y en algunas fases coqueteando incluso con el pop. Lo mejor es la calidad de su vocalista, pero también me ha parecido muy bueno el uso de los teclados que le sube el nivel a los temas, mientras que en las guitarras si que he echado de menos algo más de elaboración, sobre todo en la faceta de los solos. 

Feeling: 3/5

Originalidad: 2/5

Técnica: 3/5

Producción: 4/5

Puntuación: 6/10

 

BULL ELEPHANT - Created From Death (2020)

 

1. Created from Death

2. Oneiromantic Rites

3. Lebensraum  

4. Cult of the Black Sun Nemesis  

5. Last Defilement  

6. Perverted Science  

7. Escape to the Arctic  

8. Wayfarer

El año pasado os contamos el debut de esta banda londinense de miembros desconocidos o anónimos y que fue para nosotros uno de los discos importantes del año, un primer disco entre doom y progresivo de mucho nivel. Pues parece ser que tienen las ideas a rebosar porque van a disco por año y ahora os hablamos del segundo que se publicará en el mes de agosto. Por cierto, al parecer forma parte de una trilogía que tiene que ver con el mundo de la mitología, así que es bastante probable que el próximo año tengamos la tercera parte. 

Empezamos con Created from Death que tiene un arranque de death doom pero que a mitad de camino dinamitan por completo con un acelerón en plan death y una agresividad que cautiva, creo que es el punto más candente del disco. Una de las cosas más llamativas de este grupo es la capacidad camaleónica que tienen, son capaces de cambiarte de escenario en cuestión de segundos y pasarte de galopadas impresionantes a pasajes ambientales donde no rehuyen las melodías trascendentes, un auténtico carrusel sonoro lo de estos señores. 

Oneiromantic Rites es un tema mucho más pausado, en el que cultivan sobre todo las melodías y las ambientaciones, con voces limpias dominantes y eso sí, como no podía faltar, con sucesivos cambios de ritmo. Lebensraum tiene un comienzo Opeth a tope, con la distorsión en las guitarras, las guturales y ese medio tiempo tan característico de los legendarios suecos, incluso recreando sus típicos interludios melódico acústicos. 

Cult of the Black Sun Nemesis es una canción que vive entorno a un riff mágico de acento setentero, es un death melódico con aires regresivos, donde siguen cultivando el buen gusto en las guitarras y expresan en su estructura musical el desarrollo más progresivo del disco. Last Defilement recupera la cara más death de la banda, su death ambiental claro, porque esa es la nutaraleza de este grupo, fases agresivas con guitarras desmelenadas y de pronto te pasan a un riff pesado y oscuro de raíces sabbathianas. 

Perverted Science es otro de los temas donde pisan a fondo desde el inicio, al estilo de bandas como Akercocke o Talanas, death tenebroso y sin pausa en un tema que trancurre en un suspiro y acaban con punteo limpio y veloz. Es un disco de contrastes porque en la siguiente pista, Escape to the Arctic, la cosa gira hacia el doom, dominado por unas guitarras y voces sicodélicas al estilo de la actual Holocaust del señor Mortimer. Final con Wayfarer, death doom donde lo que más destaca es lo juegos que hacen con los acordes de guitarra, por momentos muy ambientales y de repente corrosivos, distorsionados o sicodélicos. Gran labor en la base rítmica, como a lo largo de todo el disco. 

Un disco a la altura de su debut, este segundo álbum es más agresivo, más encarado hacia el death y menos hacia el doom que el anterior, quizás con una dosis menor del elemento progresivo también. Me parece un poco más fresco y original su debut, pero lo que es indudable es la calidad técnica que tienen y la experiencia que manifiestan para hacer temas que enganchen. Esperemos que algún día revelen su identidad y salgamos de dudas, pero apostaría a que detrás de este combo hay gente con larga trayectoria en esto del death y el doom. 

Feeling: 4/5

Originalidad: 3,75/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8/10

TORCHLIGHT PARADE – Torchlight Parade (2020)

 

1. Intro

2. Golgotha

3. Salvation

4. Holy Fire

5. Sons Of Thunder

6. Angel Wings

7. Torchlight Parade

8. Haddonfield

9. Metal To The Pedal

10. Soulstruck

11. Red White and Blue

Matt "Torch" Engel  - Vocals

Doug Engel- Lead Guitar

Danny Nichols- Guitar

Larry Hunter- Bass Guitar

Greg Umfleet- Drums

Curioso el tema de las profesiones de los miembros de esta banda, atención: el guitarrista Engel es conductor de coche fúnebre, el cantante es embalsamador y el batería es director de una funeraria. Por supuesto con ese arsenal el nombre de la banda tenía que ir por ahí, evocando la imagen de una procesión funeraria antigua. De hecho, toda esta escenografía la vuelcan en sus directos, donde el vocalista por ejemplo suele empezar los conciertos saliendo de un ataud. Lógicamente las letras también van por ahí, a algunos les parecerá macabro y a otros original y una forma de ocupar un nicho de mercado, nunca mejor dicho.

Comienzan fuerte de sensaciones el disco con una intro a tope de distorsión y suciedad, reflejando un sentimiento de inquietud y hasta de locura se podría decir. Ahora con Golgotha entramos en la faceta plena de heavy metal que desarrolla la banda, riffs pesados y potentes a media velocidad y un vocalista con un buen vozarrón que se me parece un tanto al gran Ripper Owens. 

Salvation es un heavy and roll de acento setentero un poco a lo Alice Cooper, me gusta el protagonismo que le dan a la guitarra solista, con un sonido bien definido en los punteos y el apoyo de coros para darle más emotividad. Holy Fire nos traslada con sus guitarras al mundo de los Judas Priest de principios de se carrera, buena producción y bastante distorsión en las guitarras, tiene un toque de sonido under que le da carisma al tema. Sons Of Thunder es un tema bastante plano hasta que entra el solo y se explaya, claramente el punto fuerte de esta canción, que luego va evolucionando hacia un sonido más entre ambiental y stoner, y curiosa la forma de cantar de Matt en este tema que recuerda un montón al señor Tim Baker. 

Angel Wings tiene el comienzo más angelical de todo el disco con sus melodías guitarreras un poco a lo Ozzy de los 80, es una balada con momentos por medio donde meten más distorsión, suena clásica y a temazo para el directo con el punteo por emotivo por las nubes. 

Torchlight Parade es un tema de heavy potente, sin grandes variaciones en los ritmos ni riffs espectaculares pero que basa su pegada en la voz de Matt. Más vibrante me parece el comienzo con el riff de Haddonfield muy en onda heavy metal alemán, el coro también suena por todo lo alto y los riffs ponen el contrapunto tenebroso, con cambio de ritmo para meter el punteo. 

Metal To The Pedal es un hard heavy de estilo sureño y con retazos también del hard rock americano de bandas como los Cinderella, LA Guns. En Soulstruck se meten un poco el sonido setentero y cierran con Red White and Blue un tema heavy rock a lo Priest o Twisted Sister con tono festivo. Buen disco de esta banda que base su pegada en un sonido clásico, un vocalista poderoso y un guitarra solista que vuela muy alto en algunos temas, la vieja receta que les funciona más que bien. 

Feeling: 3,75/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 3,5/5

Producción: 4/5

Puntuación: 7,5/10

 

SCROLLKEEPER – Auto Da Fe (2020)

 

1. Event 201  

2. Lady Death  

3. Valhalla's Gates  

4. Scrollkeeper  

5. Auto da Fe  

6. Giles de Rais  

7. Devil's Calculus  

8. Blood & Sand  

9. Surrender  

10. Path to Glory  

11. Fortune Favors the Bold

12. Hellion (Wasp cover)

Simon Marfleet - Drums

Justin McKittrick - Vocalist

AlexanderK - Lead/Rhythm Guitarist

Andrew Sutton - Bassist

Primer disco que publica esta banda texana formada en 2016, luego de un ep en 2018 y varios singles por medio. Vamos con su debut. Tenemos un primer tema a modo de intro con guitarra clásica en Event 201, buen rollito, que sirve para meternos de lleno en la chicha del disco con Lady Death y que es un tema que ya habían sacado como single el año pasado, nos deja un heavy de sonido clásico al estilo de bandas como Jag Panzer o Solicitor, me quedo sobre todo con los riffs realmente ganadores, es un tema compacto y sin fisuras, con sonido muy pulcro en las guitarras. 

Valhalla's Gates tiene un ritmo más veloz que entrelazan con momentos de pausa donde le dan un aire más de batalla, un tema mayormente al estilo Iron Maiden.  Scrollkeeper se mueve también en esos ritmos pero con un clasicismo heavy en las guitarras que me recuerda a bandas como los Warlod o los Malice, parece ser que es uno de los primeros temas que escribió la banda al poco de su formación y que han decidido incluir, afortunadamente. 

Llegamos a la canción que da título al disco, Auto da Fe comienza con unos riffs oscuros muy al estilo Nostradamus de los Judas Priest y en efecto tiene fases de medio tiempo pero también otras más aceleradas un poco a lo Vicious Rumors, lanzando el tema por completo, me siguen ganando con los riffs de guitarras dobladas, bien poderosos. También me gusta que Justin McKittrick aunque es un vocalista competente no acapara en exceso y deja tiempo para el despliegue de las seis cuerdas. 

Giles de Rais es un medio tiempo que habla de la guerra de los 100 años y Juana de Arco, es un medio tiempo con pasajes ambientales, un poco más de oscuridad aunque son incapaces de desprenderse del todo del sonido power heavy que acompaña todos los  temas, al más puro estilo americano, es una canción que de todas formas le mete diversidad al disco. 

Devil's Calculus tiene un ritmo atrancado que explota definitivamente en la parte de los solos tirando a un estilo Helstar, Vicious Rumors, grandes solos y licks de guitarra. Inicio lento en Blood & Sand que incluso hacía pensar en una balada, pero para nada, con el cambio de ritmo se meten en un tema de heavy power Usa y guitarras encabritadas. Con Surrender me sorprenden con un riff de inicio bastante ambiental y es que es el corte lento del disco, riffs más pesados y ambientales, resultan convincentes también en esta faceta y además Justin se acopla perfectamente a esta tesitura sacando una voz muy a lo Metal God, buen tema y la banda sigue mostrándose muy consistente a lo largo de todo el disco. 

Path to Glory comienza con un riff Judas a tope y vuelven a dejar muestras de lo mejor que saben hacer que es meter latigazos inesperados con cambios de ritmo espectaculares y guitarras centelleantes. Acaban con Fortune Favors the Bold un tema que se mueve entre el speed y el sonido new wave. El disco incluye al final una versión del clásico Hellion de los Wasp de Blackie, ya que se declaran fans de esta mítica banda americana de toda la vida, como tanta gente, por cierto me quedo con la original mil y una veces, ellos la aceleran y le quitan toda la esencia. 

Me ha dejado muy buen sabor de boca este debut de los Scrollkeeper, una labor de conjunto redonda con guitarras que te llevan hasta el cielo sin que te des cuenta, espero que sigan por este camino y nos den más alegrías. 

Feeling: 4/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8/10

ICE WAR – Defender, Destroyer (2020)

 

1. Power from Within

2. Defender, Destroyer 

3. Soldiers of Frost

4. Rising from the Tomb 

5. Mountains of Skulls 

6. Crucified in Fire 

7. Demonoid  

8. Skull and Crossbones

9. Running Out of Time

10.Breakaway

Jo Capitalicide – all

Canadá es una fuente inagotable de bandas, posiblemente en el género del heavy metal más que en ningún otro, por lo menos en años recientes. Hoy os hablamos de esta banda de Ontario, con un solo miembro al frente que se encarga de todas las labores y que alcanza su cuarto disco. 

El inicio del disco con Power from Within lleva un estilo melódico en los riffs, con heavy clásico a lo new wave y un poco de épica en algunos acordes. La voz ronca de Jo le da una nota más agresiva. Defender, Destroyer es un tema donde Jo pisa el acelerador y se mete en el terreno del speed metal, me recuerda a los Savage Grace, con un sonido crudo y punteo desatado y sin precocinar, la agresividad por bandera, acometida en toda regla. 

Ahora sí que nos metemos en las coordenadas heavys con Soldiers of Frost, pero bastante influenciado por la sonoridad punk, ritmos acelerados y riffs sin demasiada técnica pero muy revolucionarios. Sobre todo destaco la honestidad en los punteos, buscando más tocar la fibra sensible que la técnica. Rising from the Tomb es un tema con un estilo a lo Iron Maiden, fijaos en los ritmos veloces y en los acordes, también un poco de los de Heavy Load. Sin duda la parte menos trabajada de los temas es la de la base rítmica, pero lo compensa con la agresividad de la voz y las guitarras. 

Mountains of Skulls es un tema con un sonido más under pero también más epic en las melodías guitarreras, sonando eso siempre con la oscuridad que caracteriza al disco, un tema que tira hacia el sonido epic heavy de unos Slough Feg. Crucified in Fire es otro tema marcado por las guitarras de la factoría Maiden y con el ritmo ligero, por momentos desbocado y echando mano de riffs melódicos. 

En Demonoid inserta riffs muy en onda speed en algunos momentos y nos lleva al terreno de unos Exciter, realmente considerando todo el trabajo de Jo creo que es en los riffs donde más acierta, suele dar a las canciones un barniz épico, ocasionalmente, que te saca de la rutina que puede tener un speed heavy a cañón sin más. Skull and Crossbones es uno de los cortes más heavys del disco y me suena por completo a la new wave, con algunos momentos donde ralentiza el paso para acentuar el lado ambiental. Running Out of Time es un cruce entre unos Motorhead con unos Exciter, con esa voz rasposa y las guitarras sucias la referencia a la banda de Lemmy es inevitable, pero todo el disco está indudablemente sometido a la influencia del speed metal. El final llega con Breakaway que combina partes de heavy melódico con aceleraciones, aunque la labor en la batería es francamente mejorable. Un disco de sonido sólido, sobre todo en el trabajo de guitarras, pero que podría ganar bastantes enteros con una base rítmica más trabajada. 

Feeling: 3,5/5

Originalidad: 3/5

Técnica: 3/5

Producción: 4/5

Puntuación: 6,5/10

 

HIGH SPIRITS – Hard To Stop (2020)

 

1. Since You've Been Gone

2. Restless

3. Face to Face

4. Hearts Will Burn

5. Voice in the Wind

6. All Night Long

7. Midnight Sun

8. Now I Know

9. We Are Everywhere

Chris Black – All instruments, Vocals

High Spirits es la banda de ese prolífico músico que es C. Black, debutó en 2011 con  Another Night y ha girado en varias ocasiones por Europa, no solo por tierras americanas, es por tanto una banda muy activa. En 2019 celebró el décimo aniversario del grupo y ahora con  Dan Swanö en los Unisound Studio ha grabado este nuevo disco que sería el cuarto de la banda y sale a través del prestigioso sello High Roller Records.

Empieza el disco con Since You've Been Gone y con las buenas vibraciones que transmite el riff melódico ambiental de inicio, el cambio de ritmo me deja atónita porque va acompañado con un riff heavy con las distorsión justa pero muy potente, uno de los cortes más lanzados y animosos que le he escuchado a este buen músico, un tema ganador sin duda alguna. La voz de Black con ese tono suave y melódico le sigue dando ese toque peculiar a su música. 

Restless es un tema que sigue con el impulso del anterior, buenas guitarras melódicas con toque épico de principio, curioso una vez más, y la base rítmica que sigue manteniendo las altas pulsaciones del tema. Estribillo sencillo y ralentización para retomar el excelente riff del inicio de la canción. Solo melódico tirando hacia el hard rock.

Face to Face ya es un tema dentro del espectro más tradicional de la banda con el hard heavy como enseña, explayándose en este caso en la parte de los punteos. Pero Hearts Will Burn nos vuelve a recordar que el señor Chris Black se levantó guerrero cuando se puso a componer este disco, sigue muy acertado en los riffs heavys y siempre te ofrece estribillos que puedes corear fácilmente y disfrutar a tope en directo, te mete de lleno en el tema. 

Voice in the Wind tiene un inicio curioso con un riff rockero pero con un cierto deje punk, aunque la evolución posterior del tema es hacia el hard rock melódico, un medio tiempo que suena clásico y a memorias perdidas en el tiempo, como recordando un pasado glorioso, es de esos temas que te levantan el ánimo, grandes melodías. 

All Night Long es quizás el tema más lineal en su base rítmica pero tiene momentos con líneas de guitarra donde se marcan un homenaje por la puerta grande a lo Thin Lizzy y luego rematan la jugada con aceleración y punteo intenso, acaba mejor que empieza. Midnight Sun es uno de los temas rockeros del disco, tirando a rollo setentero, bien construido aunque suena menos fresco que el resto del álbum. 

Now I Know es uno de los cortes más breves del disco, de riffs cortantes rollo punk rock y ritmo electrizante, imposible que no se te vayan los pies. Final con We Are Everywhere, otro tema de hard heavy melódico con muy buenos riffs. Chris Black ha sacado un disco que por momentos sorprende por su potencia, sobre todo en la primera mitad del mismo, y luego tenemos los mismos ingredientes a los que nos tiene acostumbrados, esto es, buenas guitarras melódicas y una voz que tiene carisma y te atrapa. Posiblemente el mejor disco del grupo en toda su trayectoria. 

Feeling: 4/5

Originalidad: 3/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8,25/10

ONE MORE WORD – Wheel Of Suffering (2020)

 

1.  Inner Demons

2.  Darkest Days

3.  The Illusion Of Time

4.  Trapped

5.  The Eagle And The Snake

6.  Momentum

7.  Out Of Sight, Out Of Mind

8.  Forever

9.  Total Eclipse

10.  Wheel Of Suffering (Samsara)

11. Noah

Segundo disco de esta banda alemana formada en 2016. Esta segunda entrega versa sobre la humanidad y la conexión del ser humano en la sociedad y con el mundo. El puzzle sin fin de siempre, en una palabra. 

Arrancan el disco con Inner Demons, la esencia del death melódico de unos In Flames o Dark Tranquility, Arch Enemy, pero con un mayor peso en el factor electrónico y en el sonido de un metal moderno, eso es lo que les da más carisma y un toque un tanto personal. Lo mismo muestran con el inicio con teclados de Darkest Days al que sigue una acometida potente de Metal con el vocalista dándole agresividad, los Pantera y los Machine Head con una proyección más electrónica, pero igualmente potente. 

The Illusion Of Time ofrece prácticamente los mismos ingredientes pero introduciendo paradas ambientales y voces limpias. Trapped es un tema con una sonoridad más oscura, con más potencia en el groove y ese enfoque de metal actual que dejan ver con las partes melódicas que contrastan con los riffs más aguerridos. Interesante como son capaces en ciertas fases de los temas de sonar más puristas y en otras tiran de efectos a saco. 

The Eagle And The Snake es un medio tiempo, con groove a tope pero también con pausas que le dan a esta canción un carácter más polivalente, eso sí, no esperes que el vocalista cambie de registro porque va con el piloto automático. Momentum muestra una vez más que no son una banda encasillada solo en el groove moderno, tiran por momentos de un death melódico con potencia que resulta realmente interesante. Out Of Sight, Out Of Mind tiene algunos de los mejores riffs del disco, lástima que le den tanta resonancia a las voces y las guitarras porque acaban resultando un tanto cansinos y restándole brillantez a los temas. 

Forever tiene como principal aliciente las buenas melodías ambientales de teclados y unos riffs de metal roll bastante interesantes, eso sí, me rompen los esquemas con el dúo   masculino femenino en plan mtv o nuclear blast, no suena mal pero es que está muy visto, una pena porque era uno de los temas con más potencial. 

Total Eclipse es otro de las canciones donde brillan las guitarras, con un marcado carácter ambiental, pena que el vocalista solo tenga una marcha.  Wheel Of Suffering es la pista más experimental del tema o la más moderna si lo quieres ver de otra forma, también la más comercial, un inicio lento y luego riffs de groove y rollo electrónico, no está mal. Ya llegados al final se deciden a marcarse una balada light donde, ahora sí, el vocalista saca su voz más melancólica y comercial, funciona bien como outro después de la estopa que reparten a lo largo del disco. Suenan bien, me gusta el aporte de los teclados,  pero es una pena que no se puedan sacar de encima los clichés del groove metal. 

Feeling: 3/5

Originalidad: 2,5/5

Técnica: 3,5/5

Producción: 2,5/5

Puntuación: 6/10

atila banda catalana progresiva setentera

 

OESTE – La Ausencia Del Miedo (2020)

 

1. Intro

2. Har-magedón

3. No Volveré

4. La Ausencia del Miedo

5. Like a Bird

6. La Novia del Kaos

7. Destino Final

8. Última Parada

Jose - Voz y guitarra rítmica

Juan Pedro - Guitarra Solista

Jaume – Bajo

Miguel Ángel - batería

Segunda etapa de esta banda mallorquín, ya que se iniciaron en 2004, lo dejaron en 2009 y volvieron poco después, hasta hoy, siendo este su primer disco. En esta nueva etapa parece que hacen borrón y cuenta nueva y redefinen su sonido con el heavy como base fundamental. En 2015 sacaron el ep Corazón de Metal. 

Tras una intro de rollo espacial arranca Har-magedón, destaca por sus riffs con groove que le dan un sentido dinámico al tema en momentos puntuales, el ritmo predominante es el medio tiempo y buena parada para meter solo ambiental. No Volveré despega con una base rítmica más contundente aunque poco a poco se va instalando en el medio tiempo, de nuevo como en el tema anterior el punteo nos deja el mejor momento del álbum, junto con algún cambio de ritmo potente, en cambio el recurso a los típicos riffs con groove me deja bastante frío. 

La Ausencia del Miedo tiene un inicio más inspirador entre las acústicas y algún riff interesante. También es un tema de contrastes, entre los momentos que tiran hacia la balada con otros donde se adentran en riffs de groove thrash, aunque el vocalista mantiene siempre el rango heavy en sus vocales y eso le resta cierta proyección al tema. 

Like a Bird tira de unos riffs más oscuros y base rítmica más pesada, un rollo similar a los Metallica, pero me falta la chispa que le de frescura al tema, sonando demasiado a esas influencias pero sin el aporte técnico que la haga especial. La Novia del Kaos es un tema que va en otra onda, por momentos se orienta hacia el hard rock y en otros hacia el metal con predominio del groove.

Destino Final es un tema entre el metal y el groove, con un ritmo atrancado que toma velocidad hacia el final, dejan constancia una vez más del abanico de sonidos variados que busca la banda, que parecen no tener todavía especialmente definido su orientación musical. Me quedo con su sonido más clásico donde muestran un mayor desempeño técnico. Última Parada es un breve tema a fuego lento con unas pocas líneas vocales, acústicas y un solo heavy, más bien una outro ambiental que otra cosa. No tienen malas maneras estos malloquines pero echo de menos su propio sello, algo que los diferencie de tantas y tantas bandas, y destaco sobre todo la labor de Juan Pedro que nos deja los mejores momentos del disco en la guitarra solista. 

Feeling: 3/5

Originalidad: 2,5/5

Técnica: 2,5/5

Producción: 3,5/5

Puntuación: 5,5/10

 

MESSERSCHMITT - Consumed by Fire (2020)

 

1. Fairchild  

2. Consumed by Fire  

3. Psychoqueen  

4. The Vanishing Strains  

5. Arms of Havoc  

6. A Masterful Bloodshed  

7. Hematic Wrath  

8. And I crave to die

Maik Jegszenties  -Guitars, Vocals 

Christian Fass  - Guitars 

Kristian Tamm – Drums 

Florian Piwek – Bass-Guitar 

Vpower me pasa el encargo de reseñar este disco, el segundo de estos jóvenes alemanes, porque le han escrito, ya que en su día y en su blog, poco antes de que naciese esta web,  había reseñado su debut y los había entrevistado, porque Vpower nunca dice que no a una entrevista que sea mínimamente under o interesante, así es que su revólver tiene ya tantas muescas. 

Bien, como decía, banda que debutó en 2015 aunque se formaron en 2010, tardaron en sacar su primer disco y lo mismo se puede decir de este segundo, la vida no es fácil y el mundo del Metal no conoce la compasión. Practican un speed metal típicamente teutón, es decir, veloz pero sin rehuir las construcciones melódicas. Editan el disco de forma independiente, igual que hicieran con su debut.

Arrancamos con  Fairchild, riffs veloces, con distorsión, con melodía, recurso a los coros y un ritmo que aunque empieza muy speed van modulando e incluso llegan a meter una pausa para hacer el punteo. Tema correcto, solo me falta más gancho en las voces y el estribillo.

Consumed by Fire es un tema de speed metal directo al grano, aquí no hay matices, velocidad y una muy breve ralentización para meter el punteo. Me quedo con la progresión en el solo de las guitarras, subiendo la escala de agudos. Psychoqueen es otro tema muy similar, le dan cera los riffs, aunque no acaban de cuajar unas melodías que enganchen o hagan al tema especialmente adictivo. 

The Vanishing Strains tira de inicio acústico y cambia el paso respecto a temas anteriores, medio tiempo de riffs distorsionados que inevitablemente acaban acelerando y llevando al terreno del speed metal. Arms of Havoc es un tema que se mueve entres el speed y el thrash, sonido aguerrido, aunque la voz del vocalista no sea especialmente grave. Los mejores momentos siempre se viven con la fase de los solos, no tanto por los punteos en sí que son aceptables pero no espectaculares sino porque es cuando le dan más diversidad a los ritmos. Este tema además se diferencia por un riff que meten de manera esporádica y que tiene una sonoridad bastante death, curioso.

El mejor comienzo del disco nos lo ofrecen en A Masterful Bloodshed gracias a un riff ambiental muy logrado al que acoplan un ritmo de carga que finalmente dispara el tema. Hematic Wrath es el típico tema de speed metal donde te meten el mismo riff de principio a fin y apenas con cambios, hasta llegar a la fase del punteo, me siguen faltando el plus de los estribillos que le metan un elemento más adictivo a las canciones.  Acaban con And I crave to die, un tema que empieza lento y con melodías típico del sonido de bandas californianas. Es el tema que se sale del esquema típico del disco, una canción con un rollo muy a los medios tiempos de los Metallica, metiendo buenas guitarras melódicas y con la voz sonando con más personalidad, claramente el mejor tema para cerrar el disco. 

No sorprenden, un sonido muy en la media del estilo, quizás tengan que trabajar más las melodías, las voces y el carisma de los temas para sobresalir sobre la media, creo que el último tema del disco muestra ese camino más brillante por el que puede discurrir su sonido. 

Feeling: 3/5

Originalidad: 2,5/5

Técnica: 3/5

Producción: 4/5

Puntuación: 6/10

La historia de Living Pain

 

STYGIAN CROWN - Stygian Crown (2020)

 

1. The Hall Of Two Truths

2. Devour The Dead

3. Up From The Depths

4. Through Divine Rite

5. Flametongue

6. When Old Gods Die

7. Trampled Into The Earth

8. Two Coins For The Ferryman

Melissa Pinion - Vocals

Nelson Tomas Miranda - Guitar

Jason Thomas- Bass

Andy Hicks - Guitar

Rhett A.  Davis - Drums

Debut de esta banda americana que en 2018 había sacado una demo, mismo año en el que se constituyeron. Como nota característica una vocalista femenina, algo no tan habitual en estas bandas doom, pero que tiene unos niveles de graves más que aceptables. 

Tras una intro breve de estilo étnico nos metemos en la sonoridad grave y sobria de Devour The Dead. Quiero resaltar la potencia de la base rítmica, se impone un medio tiempo de sonido poderoso y cierto aire apocalíptico gracias a la interpretación de Melissa Pinion. El solo guitarrero ambiental le va como un guante. Pero ya os digo que lo más característico es que nos entregan un doom con medio punto más de velocidad que lo que suele ser habitual en este estilo, un doom roll de lo más fresco. 

Up From The Depths tiene unos aires más grandilocuentes en las voces, es más pausada, más doom que la anterior y de sonido más clásico en sus inicios, pero al igual que antes vuelven a subir un peldaño la velocidad y eso es lo que me encanta de esta banda, que te hacen esa mezcla entre doom y heavy oscuro. 

Through Divine Rite tiene un inicio con acústicas y bajo sentando las bases de la ambientación del tema, un sonido como de tormenta que se acerca y que desarrollan de manera perfecta en la parte instrumental previa a los solos haciendo crecer la intensidad y la tensión del tema, con ciertas connotaciones black. 

Flametongue hasta el minuto dos desarrolla un doom de lo más espeso, pero ojo al tremendo cambio de ritmo y el eléctrico riff que meten en ese momento y que hace saltar todo el tema por los aires. Saben explotar esa doble cara a la perfección y eso les da un punto de frescura y amplía el rango de su sonido haciendo los temas muy entretenidos, al mismo tiempo que expanden su potencial audiencia. Uno de los temas destacados del disco sin ninguna duda, ya que exprimen de manera espectacular las dos caras de la banda, la más heavy y la más doom ambiental, con un punteo de esos que te quitan la respiración. 

When Old Gods Die es otra canción curiosa, es como una locura transitoria, con momentos de depresión y otros de euforia, siempre oscura, desatada, un tema loco, totalmente bipolar, pero en el buen sentido y para disfrute de todos nosotros. Además se explayan en los solos y el tema lo agradece. Trampled Into The Earth es otro tema con esa magia a lo Candlemass, a medida que pasa el disco me va enganchando cada vez más la voz de Melissa y lo certero de los solos de guitarra, saben pillar siempre la onda de cada tema. 

Acaban con Two Coins For The Ferryman, un tema de ritmo más constante que la media del disco, donde juegan más con las melodías en un heavy doom de tintes siempre apocalípticos, una constante en su música son la recreación de buenas atmósferas. Gran debut de esta banda que pone el listón muy alto de cara a su segundo disco, lo cual siempre es un riesgo, pero también se puede decir aquello tan español de que nos quiten lo bailado. 

Feeling: 4,5/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8/10

hadez aquelarre

 

PALE DIVINE – Consequence Of Time (2020)

 

1. Tyrants & Pawns

2. Satan in Starlight

3. Shadow's Own

4. Broken Martyr

5. Phantasmagoria

6. Consequence of Time

7. No Escape

8. Saints of Fire

Greg Diener - Guitar/lead vocals

Dana Ortt - Guitar/vocals

Darin McCloskey - Drums

Ron McGinnis - Bass

Sexto álbum de esta banda de Pennsylvania, todos ellos muy estables en cuanto a sonido y calidad, muy bien valorados. Este sexto disco lo editan a través del sello Cruz del Sur el 26 de junio, pero no podíamos esperar más a hablaros de esta buena banda, sobre todo porque Vpower está como loco con el canal de Youtube y anda cual depredador husmeando cualquier cosa que comentar en sus vídeos, si le dejásemos creo que nos pondría a todos a hacer vídeos, pero ya os digo desde ya que a mí no me veréis, no me va lo de las cámaras, yo prefiero darle a la tecla y dejar al jefe que siga enganchado a la cámara haha. Bueno, vamos al lío.

Qué mejor forma de celebrar su 25 cumpleaños que con un pedazo de disco bajo el brazo, dicho y hecho. Y además, como veremos, es un grupo al que los años le han sentado de manera fantástica, algo que no es fácil después de más de dos décadas y que pocas bandas pueden decir, pero parece que ellos conocen el secreto de la eterna frescura o que han comprado en algún sitio una lámina del retrato de Dorian Grey.

Me encanta la magia under que despliegan en Tyrants & Pawns, espectacular el sonido que han conseguido fusionar, la voz dramática de Diener junto con unos guitarrazos limpios melódicos y los riffs distorsionados, todo ello para crear una sensación ambiental realmente fantástica, no les hace falta pisar el pedal para captar tu atención. Oscuridad y clasicismo exprimidos al máximo, saben llevar el tema hasta el éxtasis del punteo, se notan los galones que han ido adquiriendo con el tiempo.

Satan in Starlight es un tema con un enfoque más rockero, más sicodélico y retro, en contraste con la sobriedad y la pegada del tema anterior. Interesante comprobar como Diener cambiar su enfoque y también como las guitarras van un poco más por libre en este corte, por momentos tienen un aire un poco al heavy progresivo de los Queensryche de los primerísimos tiempos, aunque el punteo es de heavy rock clásico de toda la vida, otra canción redonda.

Shadow's Own no llega a los tres minutos y lleva un estilo muy setentero, curioso el juego de voces, pero lo que marca el tema especialmente es el riff central con un acento rock retro total y maravilloso como entra el punteo melódico, encaja como un guante. Broken Martyr es un corte de ritmo hipnótico, un riff que mete esa tensión que lleva el tema hasta que se libera en el solo. Y luego siguen dejando volar su imaginación con más y más melodías que inundan el tema.

Phantasmagoria vuelve a recuperar el sonido doom típico de la banda. Lo que me lleva a comentar que como habréis ido leyendo es un disco que nos ofrece una cara diferente de estos americanos, el que pensase que iba a ser otro disco de doom sin más, como supongo que serán la mayoría de los fans, se encontrará con una sorpresa. Sin embargo este tema si que es su material tradicional, riffs pesados, tiempo lento y punteo lleno de telarañas a lo Trouble.

El tema que da título al disco es el más largo del mismo, nada menos que diez minutos de composición. Consequence of Time tiene todavía la esencia del doom pero es más que eso, las guitarras suenan heavys en los punteos, desafiantes, y no escatiman en el tiempo que le dedican a lucirse. Como en el resto del disco saben manejarse muy bien en el terreno de los riffs, es el ancla fundamental de su sonido y la manejan con soltura. Un tema con momentos pausado muy atmosféricos, un sonido a lo Argus, Black Sabbath o Grand Magus, es indudable que juegan en la liga de los grandes. Y este tema es la prueba de que son capaces de combinar distintas facetas con eficacia, desde el doom hasta el heavy y el sonido ambiental. Temazo donde la lían parda, relájate y disfruta.

No Escape sin embargo es una muestra de la nueva cara que quieren mostrar estos Pale Divine, sonido hard heavy, con voz más grave y aguerrida, ritmo ágil, me recuerda un poco la épica mística de los Rainbow pero dándole más peso a la distorsión, y cuando suben las revoluciones tienen un aire al clasicismo de unos Heavens Gate.

Parece que quieren finalizar el disco recordando sus orígenes, guitarras características con ese fuzz omnipresente, pero por otro lado las vocales son claras, limpias e introducen un elemento con ligero aire folk. Luego llega el solo con ese sonido en plan jam y ya te descolocan de todo, es la magia de estos americanos, que creo que en este disco se han soltado la melena más que nunca, y en mi opinión les sienta de maravilla. Bienvenidos al territorio de los Pale Divine, entra y viaja con ellos al mundo de los sueños.

Feeling: 4/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8/10

TIA CARRERA – Tried And True (2020)

 

1. Layback

2. Taos

3. Swingin' Wing 

4. Zen And The Art Of The Thunderstorm 

5. Tried And True 

6. Visitors

7. Early Purple

Jason Morales - guitar  

Curt Christenson - bass  

Erik Conn - drums   

Banda longeva comandada por el guitarrista y el batería, al que para este disco suman a su colega Curt, al parecer como miembro permanente del grupo. Es una gente que trabaja muchos los discos antes de sacarlos a la luz e incluso presumen de tener un montón de material grabado que nunca han hecho público. 

Aviso a navegantes, es un disco instrumental y con un nivel de jam session muy importante. Layback es un tema con una batería a base de caja bastante contundente, me gusta el sonido potente pero natural que le han metido, y una sonoridad que baila entre el stoner de los riffs y los delirios sicodélicos de Morales en plan Hendrix session total. Jugoso tema instrumental. 

Taos tiene un comienzo atmosférico con guitarra distorsionada y exprimida a tope, os daréis cuenta que la influencia del mago Jimi inunda el disco de principio a fin. Si el anterior tenía un ritmo muy marcado este es justo lo contrario, una experimentación y desparrame continuo. Se vuelven a centrar con Swingin' Wing en los ritmos stoner, pero es como si Morales estuviese empeñado en echarles un pulso a sus dos compañeros porque en cuanto puede empieza a meter punteos sicodélicos sin pausa, creo que dejando aparte los riffs stoner no es capaz de abstraerse de ese sentimiento de libre albedrío. 

Poco que decir en Zen And The Art Of The Thunderstorm, es como fumarte unos cuantos petas seguidos y luego pillar la guitarra y a soltar lo que se te venga en ese momento, algunos toques de batería por medio y zumbido de fondo que acompañan ese deambular cacofónico de la guitarra. Tried And True es un tema que empieza de nuevo con las idas de olla habituales pero que a medida que avanza va ganando presencia en cuanto al stoner, con una excelente labor en este sentido de la base rítmica, se te van los pies y la cabeza te empieza a dar vueltas, de lo mejor del disco.

Visitors es con diferencia la canción más larga del disco, casi veinte minutos. Morales deja constancia una vez más de su clase y se autohomenajea por todo lo alto, en eso se puede resumir el tema, porque tratar de resumirlo con palabras es cosa imposible. Solo añadiré que hay que hacerlo tan bien como ellos para que durante el tiempo que dura este tema no desconectes. Los riffs siempre tienen ese carácter hipnótico que es como una especie de ancla que te mantiene unido al tema. 

Final con Early Purple, una canción en la misma onda que el resto del disco pero con la diferencia de que Morales suena un poco más rockero en este caso y no tan setentero. Lo dicho antes, tienen calidad, su principal desventaja es que viven a la sombra del maestro de todo esto y es una sombra muy alargada que hace que todo aquello que cae bajo ella quede un poco disminuido de valor, porque no hay nada mejor que lo original, y Hendrix solo hubo y solo habrá uno. 

Feeling: 4/5

Originalidad: 2,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 7,5/10

Noticias de rock y metal 2021

 

NORTHWIND – History (2020)

 

1. The Wooden Walls

2. King Alexander the Third

3. Soldier's Pay

4. My Dying Day

5. First Shot

6. Marathon March

7. Pyrrhos the Eagle

8. Aristodemus the Hero

9. Cry Free - Die Free

10. The Dog

Dimosthenis Dovas - Lead Vocals

Kostas Papadopoulos-Papadimitriou - Lead Guitar

Theodoros Doulamis - Bass Guitar, Vocals

Thanasis Tsimoudis - Drums, Percussion

Estamos ante una de esas bandas que vuelven muchos años después, los griegos Northwind son una de los grupos más míticos y ancestrales dentro del hard rock y el heavy heleno. Publicaron dos discos en los 80 y luego nunca más, hasta ahora. En 1992 estaban en Inglaterra para grabar lo que sería su tercer disco de estudio, llevaban cuatro temas encarrilados pero ahí se acabó el asunto, por lo que fuera no siguieron adelante. Como curiosidad decir que este tercer disco se ha grabado en los mismos estudios donde hacen más de 30 años grabaron su segundo álbum Mythology.

Comienzan con una especie de intro en los primeros momentos de The Wooden Walls con un toque enigmático. Y se meten en faena con un rock de sonido muy clásico que puede recordar a bandas del palo de los Mad Max, Talon o los franceses Trust , siempre con un puntito heavy en las voces que le da esa pizca de pimienta que el disco necesita. Se meten a fondo con el punteo, buena actitud y esquema clásico, con un poco del protometal de los Judas Priest de los primeros discos. 

King Alexander the Third tiene unos riffs de sonido tirando a grandilocuente, muy adaptados al ritmo que lleva esta canción que nos parece contar alguna epopeya de tiempos ancestrales. Buenas melodías clásicas con poso rock y siempre punteo de calidad, me recuerdan a bandas de heavy clásico como los Uriah Heep o Warlord, con ese aire de nostalgia que impregna su música. 

Soldier's Pay es un tema a medio tiempo que basa en la simpleza de sus ritmos y sus acordes su magia, saben recrear de manera perfecta el sentimiento de los 80, esa ingenuidad y esa pureza que se respiraba en sus discos. Buenas guitarras limpias a cargos de Kostas y un vocalista muy competente y sin artificios que te llevan en volandas. 

Comienzo con guitarra en solitario muy a lo Van Halen, ya os digo que respiran sonido clásico por los cuatro costados. Y hasta la base rítmica tiene ese mismo estilo de las huestes de los primeros discos de los americanos con Lee Roth. Incluso se pueden apreciar unos toques de glam o rock melódico en las voces, otro tema que suma. 

First Shot da el protagonismo de inicio a la batería y un riff muy rockero a lo Schenker o Uli Jon Roth, ese riff constituye el hilo del tema con un toque entre sicodélico y a partir del que el tema va girando hacia sonidos cada vez más ambientales, demostrando la excelente capacidad compositiva de estos griegos, de sombrero. Y como de costumbre es una delicia escuchar los punteos de Kostas. 

Marathon March ya te conquista desde el principio con un riff melódico espectacular, un rock clásico a ritmo de cabalgada a lo Talon, con su toque épico, algo que siempre ha acompañado el estilo de esta banda y donde Dovas se encuentra como pez en el agua. Un tema con magia se mire por donde se mire, ríndete a sus melodías y sus coros de conquistador.  

Pyrrhos the Eagle es un disparo al aire y a correr, un estilo de heavy rock a lo Deep Purple, Rainbow o Bronz otra muestra más de la calidad de esta banda. Me gusta la elegancia que la banda muestra en todo momento, no necesitan tirar de efectos ni de groove ni de mucha distorsión para hacer que se te pongan el vello de punta. 

Aristodemus the Hero es otro tema heavy con acento épico, un poco del sonido new wave, otro poco de hard rock clásico y ya tienes otro temazo. La base de las guitarras siempre es fundamental para hacer sus temas especiales. Con un título como Cry Free - Die Free te puedes esperar un tema heavy a tope, sin embargo el comienzo es de lo más atmosférico y es un tema que se desarrolla a modo lento, tiene más oscuridad que el resto del disco, más influencia de los Black Sabbath, con riffs hipnóticos, y es que los Northwind te ofrecen el menú completo. Rematan la faena con The Dog, una canción que respira rock con mucha carga ambiental. 

Si eres un fiel seguidor del sonido clásico no te puedes perder este disco de los señores del acero griegos, una banda que aquí no tendrá mucho predicamento pero que en Grecia son considerados como los auténticos padres de todo esto. Y no es para menos, que después de tres décadas te saquen un disco de este calibre es para hacerles la ola.

Feeling: 4,5/5

Originalidad: 3,5/5

Técnica: 4/5

Producción: 4/5

Puntuación: 8,5/10